Ce film d’horreur russe est une pure réussite. Bien que naviguant entre Alien et à moindre mesure The Thing, son originalité et son visuel en fait une production à part qui mérite vraiment la découverte. Tout d’abord, l’ambiance : pour son premier film Egor Abramenko s’est amusé avec le passé de son pays et retranscrit la machine soviétique dans tout ce qu’elle avait d’efficace et de terrifiant. La froideur du complexe qui se veut être une sorte de zone 51 russe se combine avec celle des personnages. Par exemple, aucun d’eux ne nous gratifie d’un seul sourire, pendant tout le film. La photographie terne et la musique presque inexistante distillent un mélange de rigidité et d’austérité. Mais lorsque la bande son se déchaîne enfin, sa tonitruance en fait l’élément principale de la scène qu’elle habille. Le montage en fait une utilisation très intelligente qui sert parfaitement le récit.

Les personnages sont calibrés afin de mettre en avant l’élément « humain » dans la narration en opposition avec la créature, bien qu’on en arrive assez vite à confondre les deux. Mon seul regret est l’arc narratif superflu à propos du fils du cosmonaute (cela rallonge un poil le film pour atteindre les deux heures, quelques scènes inutiles à mon sens), le reste du storytelling suffisait pour pointer du doigt les dimensions sociales des personnages. On découvre constamment que chacun en sait plus qu’il ne veut bien en dire, et les choix scénaristiques inattendus surprennent suffisamment pour que l’histoire se démarque des étiquettes qu’on a tendance à lui coller lors de la bande-annonce et la première partie du film.

La créature est l’autre réussite de cette production. Que ce soit son fonctionnement ou son originalité, on oscille constamment entre la terreur qu’elle provoque, et l’empathie qu’elle inspire. Visuellement, elle est juste superbe, et les CGI sont tellement impressionnants qu’elle devient un personnage à part entière, sans jamais sortir le spectateur du film, au contraire, elle permet de plonger encore plus profondément dans le récit. Les passages gores sont plutôt suggérés subtilement, presque pudiquement, accentuant encore le ressenti que l’on peut éprouver pour la créature, la compréhension de ses comportements et la compassion coupable qu’elle suscite.

Les acteurs interprètent leurs personnages avec justesse. On reconnaitra Oksana Akinshina qui avait fait un incursion hollywoodienne dans The Bourne Supremacy. J’ai visionné le film en version originale, je pense qu’il faut le voir en russe afin de profiter complètement de leur jeu. En effet, le russe permet des subtilités différentes qui risqueraient d’être immanquablement mal rendus dans un doublage français ou anglais.

En conclusion, Sputnik est un film efficace dans son exécution, même si certains le trouvent un peu lent, ce qui est pourtant nécessaire pour appuyer l’ambiance dont je parlais plus haut. Mais surtout, Sputnik fait partie des très rares productions qui continuent de me trotter dans la tête après le générique de fin, chose si peu courante dans notre société du tout jetable. Lorsqu’un film me fait cet effet, je ne peux que le conseiller, chaudement ! Produit par Sony et initialement prévu en salles, il est puni comme de nombreuses productions à sortir directement en VOD (à cause du Covid), alors guettez vos plateformes de streaming et priez pour qu’il y soit associé. C’est un excellent film. à voir ! 17/20.

Le Dr Finn emmène ses deux enfants sur une planète récréative, en compagnie d’Isaac qui veut saisir l’opportunité d’étudier les comportements familiaux. Une anomalie spatiale projette la navette à 1000 années lumières, dans des territoires inexplorés. Forcés à atterrir sur une planète inconnue, la navette se brise en deux, séparant la mère de ses deux enfants, laissés avec Isaac. Les habitants, hostiles, tentent alors d’attaquer les trois rescapés tandis que Finn est capturée par un renégat qui la recueille pour la « protéger ».

Le premier épisode de la saison où je me suis ennuyé. Un sujet classique, traité de façon classique, sans grande imagination. Il est difficile de s’inquiéter pour des personnages dans ce genre de situation, on sait que tout rentrera dans l’ordre à la fin. Par contre, il faut saluer l’écriture concrète des deux enfants qui, enfin, réagissent comme tels, là où dans la plupart des séries ce n’est pas le cas. Pour continuer les comparaisons avec Star Trek, Jake ou Nog sont trop aseptisés et adultes pour être réalistes.

J’avoue ne pas avoir été à l’aise avec cet épisode. Je n’aime pas trop le personnage du docteur, mais sa réaction vis à vis de son « ravisseur » qui ne souhaitait que la préserver des dangers de la planète, alors qu’elle aurait pu facilement faire autrement n’est pas des plus crédibles, pour un personnage dont la profession est de sauver des vies à tout prix, et surtout en faisant la moral à ses enfants à la fin sur le fait qu’il est mal de tuer quelqu’un.

Second épisode d’affilée où Ed et Gordon ne sont pas de la partie, limitant cette fois grandement les traits d’humour, ce qui ne manque pas. Mais je pense que c’est le plus mauvais épisode de cette première saison alors que The Orville est officiellement renouvelé pour une seconde la même semaine. Épisode réalisé par Brannon Braga que je ne ferai pas l’affront de présenter aux trekkies. 5/10, pas mieux.

Cet épisode est dans l’air du temps, et on y retrouve des similarités avec un épisode de la série de la BBC Black Mirror (S03E01 – Nosedive). Un parallèle avec notre monde, où les réseaux sociaux deviennent un jury populaire, où un hashtag valide la participation sociale de l’avis de chaque individu. La dérive d’une démocratie directe où l’on peut voter pour tout (et même n’importe quoi), et où une simple vidéo, sortie de son contexte, peut amener à se faire lobotomiser : « corriger » étant le terme adéquat dans cette société. C’est très flagrant sur la raison de la disparition des deux anthropologistes et la photo qui les accuse.

L’écriture est très intelligente et même s’il n’est pas nécessaire d’aller y chercher une réflexion philosophique, le traitement du sujet se prête à merveille pour The Orville. Encore une fois, on aura pu tout à fait imaginer cette histoire dans Star Trek (The Next Generation semblant la plus appropriée) exceptée la violation de la Prime Directive en démontrant la facilité de manipuler l’opinion dans un sens ou dans l’autre. Épisode après épisode, Seth MacFarlane exprime tout son talent et sa capacité de s’entourer des bonnes personnes pour faire de The Orville une des meilleures séries du moment.

Sans hésitation, un 10/10 est de mise, la perfection à portée de main (enfin de télécommande en fait)

]]> https://reviews.oliverkrauq.com/the-orville-s01e07-majority-rule/feed/ 0 https://reviews.oliverkrauq.com/ready-player-one/ https://reviews.oliverkrauq.com/ready-player-one/#comments Sat, 31 Mar 2018 12:03:12 +0000 https://reviews.oliverkrauq.com/?p=2186 Lire plus]]> (2018). En 2045, le monde est un endroit rude et cruel. La plupart des gens échappe à cette réalité dans l’OASIS, un monde virtuel où l’on peut aller où l’on veut, faire ce que l’on veut, être qui on veut, la seule limite étant l’imagination et sa richesse virtuelle. L’OASIS a été crée par un concepteur supérieurement intelligent et excentrique, James Halliday qui a laissé un « easter egg » à sa mort sous forme d’un concours en trois parties. Celui qui le gagnera héritera alors de l’immense fortune du défunt et d’un contrôle absolu sur l’OASIS. Lorsque Wade Watts découvre le premier indice, une gigantesque chasse au trésor démarre, aussi dangereuse dans le monde virtuel que le monde réel.

Ready Player One est adapté d’un roman a succès et mis à l’écran par un maître du cinéma Steven Spielberg. Je ne ferai pas de parallèle avec le livre, ne l’ayant pas lu. Ce film est un hommage à la culture geek (ou culture pop), tout simplement, sans en être juste un prétexte. En effet, le scénario est bien conçu et intelligent, et les références innombrables s’intègrent parfaitement à l’histoire. Je n’ai aucune idée de la façon dont ces références fonctionnent sur papier, mais à l’écran, cela joue à merveille. Chaque plan recèle une multitude de détails qu’il est impossible de capter en une fois. Je ne sais pas si le film parlera autant à la jeunesse qu’aux trentenaires ou quadragénaires, beaucoup de références sont des années 80. Les plus récentes sont surtout dans l’univers vidéo ludique.

Les personnages sont bien construits, même si je trouve les second rôles bien plus intéressants que celui de Wade/Parzival. La double identité (réelle et virtuelle) permet des surprises amusantes, comme lorsque qu’Aech explique à Wade que l’humain qui se trouve derrière l’avatar dont il est tombé amoureux, Art3mis, pourrait être un bonhomme de 150 kg vivant dans le sous-sol de la maison de sa mère à Détroit. Je vous laisse imaginer à quoi peut ressembler chaque avatar avec cette explication extrême. Aech, Sho et Daito sont d’ailleurs des exemples à suivre dans l’efficacité et la richesse que peuvent apporter des personnages secondaires. D’autres sont moins réussis. Samantha/Art3mis n’est pas à la hauteur, ce qui est bien dommage, je suis très fan d’Olivia Cooke que j’adore dans la série Bates Motel, je regrette également que l’on ne voit pas qui se trouve derrière I-r0k et pour finir, F’nale ne sert à rien.

Visuellement, le film est une tuerie. Un régal pour les yeux et un montage qui permet de passer du monde réel à l’OASIS tout naturellement, sans jamais provoquer de cassure dans le récit. L’ingéniosité de certains plans de Spielberg trouvent une résonance dans les deux mondes et j’ai vraiment adoré ce qu’il en a fait. Beaucoup de réalisateurs ont tenté de prendre la place sur son trône ces dernières années, mais non, il démontre une fois de plus qu’il est le boss : chaque scène semble à sa place, et les deux heures vingt passent en un claquement de doigts. La bande-son et quelques effets sonores (comme les quatre notes typiques de Back to the Future) accompagnent l’ensemble. Il y avait des lustres que je n’avais pas vécu une expérience cinématographique comme celle là et ce film donne de l’énergie et le sourire longtemps après avoir quitté la salle obscure !

Maintenant, les références : Elles sont juste… incroyables. Pour ne prendre que l’exemple de la course virtuelle qui permet d’atteindre le premier indice, j’ai eu l’impression d’en voir des dizaines et après avoir consulter des listes facilement accessibles sur le net, je suis passé à côté d’au moins autant. En vrac, rien qu’au niveau des véhicules, il y a bien sûr la DeLorean de Parzival et la moto d’Akira d’Art3mis, mais en y regardant de plus près, il y a la Batmobile de la série Batman des années 60, le van de l’Agence tout risque, une moto de Tron, la Mach 5 de Speed Racer, le v8 interceptor de Mad Max, KITT de Knight Rider (K200 en français), Christine, la Plymouth Fury du roman de Stephen King (et de l’adaptation par John Carpenter à l’écran) etc… D’ailleurs pour les fans de Stephen King, le second indice de la chasse permet une très longue séquence dans le film Shinning de Kubrik. Encore une tuerie dans la réalisation !

Mais beaucoup d’autres références sont présentes et bien plus subtiles. Juste un exemple : Lorsque James Halliday explique dans une vidéo le concours qu’il a mis en place après sa mort, les trekkies sont à l’honneur. Son cercueil est une photon torpedo, la même qui est utilisée dans The Wrath of Khan lors de la mort de Spock et tout le décor comprend un drapeau de la Fédération, un vitrail avec le logo de Starfleet etc… mais… car il y a un mais… beaucoup moins de spectateurs ont repéré l’autre référence de la scène : la façon dont Halliday se relève de son cercueil, la position et le mouvement de caméra est une réplique exacte du réveil de Bela Lugosi dans Dracula.

Le jeu est donc de découvrir les références moins évidentes. Bien sûr, les avatars des autres gens de l’OASIS sont facilement repérables. Dans la première scène, Aech explose Freddy Krueger, on voit aussi Jason Voorhees, les tortues ninja et des dizaines d’autres. Les références directement nommées sont évidemment légions mais les plus discrètes sont les plus funs à repérer. Lorsque le robot géant d’Aech tombe dans la lave, il lève le pouce comme le terminator dans T2 : Judgment Day, l’arme sélectionnée par Daito et qui sert à couper le bras d’I-r0k est l’arme de Krull, sans parler de la holy hand grenade. Même la date de sortie du film (son logo aussi d’ailleurs) est un « easter egg » ! Qui se rappelle d’où est extrait la formule pour activer l’Orbe d’Osuvox , l’artefact lvl 99, lui-même une référence Dungeons & Dragons dont le créateur Gary Gygax est également nommé : « Anál nathrach, orth’ bháis’s bethad, do chél dénmha! » ? Je vais m’arrêter là, les centaines d’autres seront à votre discrétion.

Pour conclure, Ready Player One s’est hissé directement dans le top 10 de mes « all time favorite movies », côtoyant ainsi The Thing ou Forbidden Planet, ce qui est un sacré exploit, ceux qui me connaissent pourront en être témoin. Comme la perfection n’existe pas, je vais me contenter d’un 19/20, mais j’ai mis 10/10 sur mon rating d’IMDB ! A voir, revoir, et revoir encore…

Ed et Gordon, équipés d’émetteurs holographiques portatifs qui donnent l’apparence de krill, utilisent la navette pour monter à bord d’un vaisseau de guerre, le Yakar, et tenter de dérober un Ankhara, pour mieux comprendre la société Krill. Ils découvrent alors une bombe expérimentale qui doit être larguée sur la colonie Rhana III pour exterminer 100 000 humains en une seule explosion. Ed et Gordon (renommés Chris et Devin) décident alors de contrer cette menace.

Voici un épisode très politique, il est impossible de ne pas faire le parallèle entre les actions des Krills et la géopolitique actuelle, ainsi que les attentats à travers le monde. Il est intéressant de découvrir la société des Krills, qui n’étaient pour le moment que les ennemis de l’Union par défaut, découverts dans l’épisode « Old Wounds« , sans plus de développement. On peut d’ailleurs comprendre que le tout dernier dialogue, l’échange entre Ed et la Krill Teleya, sur le sauvetage des enfants lors de la destruction du vaisseau est également un rapport très politique avec le monde réel.

Au passage, on apprends dans cet épisode qu’Alara a du mal a trouver un petit ami, sa force 10 fois plus importante que n’importe qui semble faire peur à d’éventuels prétendants. Isaac se propose de lui faire l’amour pour lui rendre service. Bortus a un estomac de chèvre, il est capable de tout manger sans conséquences : une boule de wasabi, un cactus, du verre et tout un tas d’autres choses pour le plus grand amusement de Gordon et John (et les Krills ressemblent vraiment aux Jem’Hadar).

Cet épisode a été écrit par un vétéran trekkien, David A. Goodman, produteur de Enterprise et également de The Orville. L’écriture est brillante, elle touche le sujet très délicat qu’est la religion, en faisant un parallèle flagrant avec notre monde, sans jamais donner un véritable avis, mais plutôt une observation neutre. On découvre également le point de vue des Krills. Comme toujours, l’humour, ici un peu plus subtil, associé à un sujet grave est omniprésent et bien plus intelligent. Vraiment un excellent épisode, peut-être le plus abouti (alors que Pria avait déjà frappé fort). Je ne peux mettre que 10/10 encore une fois !

De retour sur l’Orville, Ed tombe sous le charme de Pria (interprété par Charlize Theron, qui ne le serait pas !) et Kelly voit cela d’un mauvais œil. Elle enquête et découvre qu’il n’y a aucune trace de Pria auprès de la Vega Mining Consortium. Ed ne l’écoute pas et y voit de la jalousie. L’Orville est alors pris dans une tempête de matière noire et Pria prends le contrôle du pilotage pour sauver le vaisseau. Elle avoue alors venir du 29ème siècle (4 siècles dans le futur) et avoir sauver l’Orville de la destruction afin de l’emporter dans son siècle et le vendre comme antiquité.

Très bon épisode, réalisé par Jonathan Frakes (William Riker dans Star Trek : The Next Generation) qui altère le cours de l’histoire. Alors que le vaisseau devait disparaitre en étant envoyé 4 siècles plus tard, l’équipage réussit à rester à son époque et détruire le trou noir permettant le voyage dans le temps. Très trekkien, je pense que cet épisode sera à nouveau utilisé puisque tout ce que l’Orville va faire à partir de maintenant n’aurait jamais dû exister sans cette altération. Une fois encore, le scénario permet de faire une jonction très intéressante et inédite entre la gravité de la question philosophique du voyage dans le temps et ses conséquences, avec l’humour très « orville ». Alors que Gordon déguise Isaac en Mr Patate pour lui expliquer ce que peut-être l’humour et lui lance le challenge de lui faire une blague, ce dernier lui ampute une jambe pendant son sommeil. J’ai trouvé cette scène vraiment hilarante.

La série monte en puissance et chaque épisode devient riche en questionnement et en fun. Je peux juste regretter un humour un peu trop présent : un petit peu moins enrichirait le show et le rendrait un peu plus « crédible » auprès des critiques, mais en ce qui me concerne, je suis plus fan que jamais. Cet épisode vaut 10/10 !

Un épisode trekkien (TOS) dans le plus pur style, CGI en plus. L’histoire, extrêmement bien écrite, aurait mérité un double épisode. Seth MacFarlane reprend les standards de la science fiction des années 50, lorsque des vaisseaux de plusieurs générations d’occupants ont fini par oublié leur passé et pensent que rien n’existe au-delà de leur environnement. Un régime fasciste/religieux s’est installé tandis qu’une partie de la population cherche à s’en libérer. Cet épisode est un hommage évident à la nouvelle la plus connue d’Isaac Asimov « Nightfall » ! Magnifique !

Cette épisode fait la part belle aux personnages féminins et prouve leur caractère fort. A noter que la référence de Kelly sur Friends lorsqu’elle est interrogée brutalement par Hamelac (Robert Knepper en guest) est une réussite pour le subtil mix de l’humour et des thèmes sérieux traités par la série (voir vidéo ci-dessous). Décidément, chaque épisode est mieux que le précédent ! Autre guest pour les férus de SF, James Morisson alias le colonel McQueen dans Space : Above and Beyond (entre autre). Les deux sont dans le Twin Peaks de 2017 d’ailleurs. Enfin, une énorme star d’Hollywood fait une apparition dans le rôle de Dorahl à la fin, mais je vous laisse la découvrir, j’ai trop peur de recevoir un message m’annonçant qu’elle ne sait pas qui je suis, mais qu’elle va me trouver et me tuer

Comme à chaque épisode enfin, une petite remarque sur le réalisateur : James L. Conway, loin d’être un inconnu. Réalisateur de 3 épisodes de The Next Generation, 7 de Deep Space nine, 4 de Voyager et 4 d’Enterprise.

Ce troisième épisode est l’exemple parfait du parallèle à faire entre cette série qui est bien plus trekkienne que sa concurente qui n’en porte que le nom. Là où Star Trek Discovery se conforme aux sirênes de la bien-pensance Hollywoodienne en imposant un personnage gay, un héros femme issue de la diversité etc… The Orville traite ses sujets de façon bien plus subtile. A aucun moment les Moclan sont considérés comme une race homosexuelle, aucune raison de l’annoncer, c’est un fait, par contre, un changement dans cet état des choses provoquent une discussion. En prenant le débat dans ce sens, les sujets traités sont bien plus profonds et philosophiques. 

D’ailleurs, j’ai lu beaucoup de reviews et de critiques qui traitent le sujet de cet épisode sur le changement de sexe, alors que je l’ai plutôt interprêté comme pointant sur l’égalité des sexes, ce qui démontre toute l’intelligence du scénario, qui soulève de nombreux sujets de discussion, exactement comme l’aurait fait un excellent épisode de Star Trek The Next Generation ou Star Trek Deep Space Nine. Bien sûr, nous parlons ici aussi de l’interférence dans d’autres cultures en utilisant nos propres filtres et nos propres références. 

La fin était attendue en ce qui me concerne, je vous laisse découvrir le choix du tribunal. A noter que The Orville gagne ses galons de séries qui compte avec cet épisode où l’humour est bien moins présent que lors des deux premiers, tandis que la gravité du sujet et la façon de le traiter est digne des meilleures séries de SF. The Orville se bonifie donc est devient pour cette année ma série favorite, au dessus de toutes les autres !

Channel Four a décidé d’adapter les nouvelles de Philip K. Dick en une série de 10 épisodes (pour la première saison). Chacun d’eux est un stand-alone. Toutes les histoires ne sont pas adaptées de nouvelles connues, mais elles sont toutes mises en images avec pour objectif déclaré de rendre hommage à la vision de son créateur. Pour ceux qui ne sont pas familiers de son travail écrit, je suis sûr que vous avez visionné une de ses adaptations portées à l’écran : Minority Report, Totall Recall, The Truman Show, Blade Runner, Paycheck ou même la série The Man in the High Castle… entre autres… Mais parlons de la première partie de la saison une (je ne sais pas encore s’il y en aura d’autres, mais je l’appelle de tous mes voeux).

Episode 1 : The Hood Maker

Dans une société où se cotoie les humains « normaux » et les télépathes (appelés les Teeps), la police emploie ces derniers afin de chasser ses opposants. Mais l’apparition de masques de cire qui bloquent la lecture des esprits par les Teeps provoque un déséquilibre entre les deux factions. Une chasse au créateur de ces masques est alors lancée.

Ce pilote est un peu plus long que les autres épisodes. J’ai eu l’impression de regarder le premier chapitre d’une histoire plus longue lorsque la fin ressemblait à un cliffhanger d’une suite qui n’arrivera jamais. Un peu de frustration. Les deux détectives font tout l’intérêt de ce premier opus, leur interaction dans cet univers noir, sinistre, post industriel, les emporte dans une relation impossible et admirablement mis en scène. Ce sera d’ailleurs une constante dans chaque épisode, le choix des acteurs est toujours impeccable, tout comme la réalisation. Même si ce n’est pas la meilleure nouvelle (ni une des plus connues) qui inspire ce premier épisode, c’est par contre un excellent choix pour plonger dans l’univers de Philip K. Dick ! 7/10.

Episode 2 : Impossible Planet

Deux employés du tourisme spatial, complètement blasé par leur job, sont engagés par une très vieille dame (pas loin de 300 ans) pour un voyage vers une planète dont toute vie a disparu depuis des lustres, dûe à une catastrophe solaire : la Terre. Un peu confuse mais riche, ils décident de la tromper en l’emmenant vers une planète similaire pour empocher son argent.

Cette histoire m’a filé une grosse claque, trés touché par la poésie teintée de nostalgie dans cette course aux souvenirs perdus. Cette adaptation différe quelque peu de la nouvelle originale. La Terre y est un mythe et non une planéte brulée comme dans cet épisode, et il est difficile de comprendre la connexion entre Mrs Gordon (les cinéphiles reconnaitront l’immense actrice Géraldine Chaplin) et Norton, là où elle n’existe pas dans la nouvelle. L’autre personnage important de l’histoire est le robot protecteur de la vieille dame, complice passif, tandis que Mrs Gordon espère revoir l’endroit où elle a grandit avant de mourir. Dans l’histoire originale, ils trouvent une pièce de monnaie sur la planéte brûlée qui leur indique que la Terre n’est finalement pas un mythe, alors qu’ici, une connexion entre les deux personnages les raménent à leur passé de jeunesse, même s’il n’est pas expliqué pourquoi Norton ressemble tant à son grand-père dont elle chérit une photographie. Malgré cette fin un peu confuse, c’est un excellent épisode. 8/10.

Episode 3 : The Commuter

Ed travaille dans une gare, au guichet des tickets. C’est un monsieur « tout le monde » dont la vie n’est pas facile. Il a un fils malade qui a des accès de violence incontrôlés, ce qui affecte sa relation conjugale. Un jour, une femme vient acheter un ticket pour une ville, Macon Heights, qui n’existe pas. Alors qu’il se retourne une seconde, la jeune femme a disparu de son guichet. Il décide alors d’enquêter sur cette ville et découvre que d’autres passagers s’y rendent. Il les suit et découvre une ville dans une réalité alternative où les gens sont heureux, alors que sa visite change sa propre réalité lorsqu’il rentre chez lui.

Après deux épisodes qui se déroulent dans le futur, cette histoire est ancrée dans notre temps. Une fois encore, le sujet est très perturbant et prouve que l’esprit torturé de Philip K. Dick était capable d’inventer des histoires compliquées. Il y a de nombreuses lectures de cet épisode et je pense que chacun y verra quelque chose de différent. Je me demande même si, en le revisionnant, je n’arriverai pas à une conclusion autre. Beaucoup de questions sont donc soulevées : Ed change t-il son présent avec les visites à Macon Heights ou change t’il de réalité à chaque fois ? influe t’il inconsciemment sur sa vie ? bref, encore une histoire à voir et qui fait réfléchir. A noter le jeu de Timothy Spall contribue encore une fois à la réussite de cet épisode, chaque fois le casting est très bon. Timothy Spall est le prototype de l’excellent acteur dont on connait le visage sans être capable de mettre un nom dessus. Il vous dit quelque chose ? allez, je vous aide : Wormtail (Harry Potter). 8/10.

Episode 4 : Crazy Diamond

Une homme qui travaille dans une usine de fabrique d’étincelles d’éveil de conscience pour les êtres artificiels voit débarquer l’un d’entre eux, personnifié par Jill, une superbe femme, dans sa vie. Elle lui propose un deal illégal, voler ces consciences afin de prolonger sa vie sur le point de s’éteindre et vendre les autres afin d’assurer financièrement le restant de sa vie pour elle-même et Ed.

Nous revoici dans la ligne pure de Blade Runner. Jill (nom donné aux femmes artificiels, les hommes sont des Jack) ne veut pas mourir et veut plus de vie, sujet récurrent chez Philip K. Dick. Même si cet épisode est un peu en dessous des deux derniers, une fois encore, le casting tient à bout de bras cette adaptation. Steve Buscemi et Sidse Babett Knudsen forment un tandem implacable. J’ai beaucoup apprécié les petits détails de la vie pour poser ce future en quelques exemples comme la nouriture qui moisi le jour après l’achat ou l’interdiction de faire pousser ses propres aliments, pour poser cette société de l’ultra consumérisme. Ce monde semble être parfait où tout le monde est heureux, mais on découvre rapidement les zones d’ombre de cette dystopie. Les personnages secondaires sont, cette fois, tout aussi interessant, comme l’agent de sécurité, 40% cochon 60% humain, qui crée une relation d’amitié avec la femme de Ed. La fin est inattendue, et la récupération de son vinyl explique le titre de l’épisode. 7/10.

Episode 5 : Real Life

Dans un Chicago du futur, Sarah est agent de police. Perturbée par une enquête où de nombreux officiers ont trouvé la mort, elle rentre chez elle où elle retrouve sa compagne qui lui propose d’utiliser un appareil qui lui permet de s’évader de sa réalité, de se retrouver comme « en vacances ». A la seconde même de la mise en marche de l’appareil, George se réveille dans un Chicago du passé, où il chasse des gangsters locaux. Après un coup à la tête, son médecin personnel lui explique que cela a ravivé d’ancien souvenir. Alors qu’il se repose et active son propre appareil de réalité virtuelle, Sarah se réveille à son tour.

Impossible de ne pas voir des similitudes avec Total Recall. Cette histoire est bien adaptée, au point où on se demande quelle est la « vraie » réalité (réponse à la fin). J’avoue ne pas être fan d’Anna Paquin (que ce soit True Blood ou X-Men, je la trouve insignifiante), mais elle est parfaite dans ce rôle, un peu effacée et torturée, bon choix de casting. Terence Howard qui joue George est comme toujours excellent. Cet épisode transcrit un autre thème récurrent chez Philip K. Dick : les réalités alternatives. Même si la nouvelle d’où Real Life est tirée diffère un peu, sa mise au gout du jour fait sens et ne dénature pas la profondeur de l’histoire. 8/10.

Ed et Kelly sont capturés par une race d’alien ultra développée, les Calivon, qui considèrent les autres races comme inférieures et les capturent pour les exposer comme des animaux dans une sorte de zoo. Alors que le lieutenant commander Barthus est indisponible, c’est la jeune lieutenant Alara Kitan qui se retrouve aux commandes de l’USS Orville et doit faire face à un choix décisif.

Ce second épisode met sur le devant de la scène Alara kitan. Elle se retrouve tirailler devant un choix cornélien : « abandonner » le capitaine et le premier officier en suivant aveuglément les ordres de l’Union (et se faire détester par l’équipage), ou outrepasser ses ordres en mettant la suite de sa carrière dans la balance (elle n’a que 23 ans), tout en risquant le vaisseau et l’équipage. Le docteur Claire Finn gagne également de la profondeur en conseillant Alara, sur la façon dont elle doit approcher ses choix dans la vie. Les personnages sont vraiment bien écrits et il est évident que chaque épisode va nous faire découvrir la profondeur de chacun d’entre eux, à tour de rôle, afin de nous familiariser complètement avec l’équipage. Halston Sage est à la hauteur et on est parfaitement conscient de la bataille intérieure qui se déroule devant le choix qu’elle doit prendre.

L’autre ligne scénaristique consiste à mettre en scène le couple à la tête du vaisseau, afin qu’ils analysent les raisons de l’échec de leur mariage. Les Calivon utilisent leur technologie pour hacker les informations des ordinateurs des spécimens à capturer, créant ainsi un environnement réel à partir des souvenirs et des informations glanés. Ed et Kelly sont ainsi garder en captivité dans un réplicat de leur ancien appartement, les replongeant dans leur passé marital.

L’humour est un peu moins présent dans ce second épisode, mais les quelques scènes actionnant ce ressort sont très fines, moins tarte à la crème. Le dialogue d’ouverture entre Barthus qui explique au capitaine qu’il vient de pondre un œuf (si si !) et qu’il sera indisponible pendant 21 jours le temps de le couver car son futur enfant est sa priorité, est intelligemment écrite, entre la gravité de Barthus et la légèreté d’Ed qui ne sait pas s’il doit rire ou rester sérieux devant ce que lui explique son lieutenant commander (c’est la vidéo au bas de la review). Je vous laisse la surprise de la dernière scène avec les Calivon, lorsque l’on découvre le stratagème d’Alara pour faire libérer Ed et Kelly, pour le coup, c’est juste un coup de maître.

A la fin de l’épisode, Barthus et son compagnon Klyden assistent à la « naissance » de leur progéniture et découvrent, effarés, que c’est une fille, ce qui introduira le pitch du troisième épisode. Enfin, il est à noter une fois encore que le réalisateur de ce second épisode n’est pas un inconnu, il s’agit de Robert Duncan McNeill, aka Tom Paris dans Star Trek Voyager !