Une production Netflix Germany qui nous délivre un film qui mélange l’allemand et l’anglais. N’étant pas fan de la langue teutonne, j’ai hésité, mais le résultat est plutôt convaincant. La mise en place de l’histoire est un poil lente, mais lorsque l’action débute, la tension est à son comble jusqu’à la fin. Ce dont souffre la mère d’Elias n’est pas un secret, entre le titre, l’affiche et le trailer, on découvre de suite qu’elle est un vampire. Mais aussi simple que puisse être le scénario, on se retrouve très vite dans un mix entre From Dusk Till Dawn, Snakes on a Plane et Train to Busan !

Peri Baumeister est incroyable de talent dans le rôle de Nadja. Avant de dévoiler sa nature, la façon dont elle la cache, en luttant contre la soif au bord de la nausée et de la douleur physique, est bluffante. Carl Koch (son fils Elias), joue sa partition de boussole morale qui tente en toute circonstance de freiner les élans inhumains de sa mère. Le tandem fonctionne bien et c’est la relation mère/fils qui donne tout l’attrait au film. C’est vraiment l’histoire d’une mère essayant de protéger son fils et les efforts que font les parents pour cacher leur côté monstrueux à leur progéniture.

Tous les personnages sont bien écrits, même les seconds rôles, donnant une profondeur à chacun d’eux. La réalisation de Peter Thorwarth est honnête, je regrette juste un montage en dents de scie, où certaines scènes semblent présentes juste pour faire du remplissage et atténuent légèrement la tension du film. Mais ce n’est pas suffisamment gênant pour nous sortir de l’histoire. Au passage, Thorwarth a écrit le scénario de The Wave (Die Welle), un film hallucinant où un professeur démontre par l’exemple le fonctionnement et la mise en place d’une dictature. Désolé pour cette divergence, mais c’est un film A VOIR ABSOLUMENT !

Bien que cette production ne soit pas exempte de défauts, c’est une bonne surprise qui mérite vraiment d’être visionné. J’ai récemment vu des films en salle qui n’étaient pas digne de se voir sur grand écran alors que j’aurai adoré Blood Red Sky en salles obscures ! Bref, vous avez compris que j’ai été séduit par ce film et je vous le recommande chaudement. Un « horreur » que l’on pourrait presque qualifier de série B mais qui tire son épingle du jeu pour changer de division : 16/20.

Tout d’abord, qu’est ce qu’un shomer ? Je dois avouer que je ne connaissais pas ce terme avant le film, mais il est très à propos pour imaginer une histoire autour de cette pratique, ce que Jason Blum et Blumhouse, sa boite de production bien connue des fans d’horreur, a essayé de mettre en avant. Chez les juifs orthodoxes, lorsqu’un membre de la communauté meurt, le corps est gardé nuit et jour à tour de rôle par des shomers, ou « gardiens », qui récitent des psaumes pour apaiser l’âme du défunt et la protéger du mal invisible. Ce sont en général des parents ou des proches, mais il peut aussi y avoir des shomers rémunérés. Ils sont sollicités quand personne d’autre ne peut le faire.

Voilà le postulat de base.

Les productions Blumhouse naviguent dans les eaux troubles des films de série B, et quelque fois (de plus en plus souvent même), une bonne histoire, bien réalisée et bien jouée sort du lot. C’est le cas pour The Vigil. L’angle d’attaque  du film est très malin, puisque le scénario privilégie la psyché du protagoniste à la superstition que crée la situation. Yakov est atteint d’un syndrome post traumatique suite à un événement que l’on découvre à mesure de l’avancée de l’histoire et le poids de la culpabilité qui l’écrase semble être l’unique explication de ce qu’il voit ou ressent. Et c’est là où le film excelle. Sans parler du jeu de Dave Davis.

Le protagoniste est sous médicament, suivi par un psychiatre et lorsque des phénomènes étranges apparaissent, on ne sait jamais s’il s’agit d’une entité surnaturelle qui rode ou s’il s’agit des propres angoisses et de la paranoïa de Yakov. Et pour ça, il faut reconnaître que Dave Davis est incroyable, son interprétation est bluffante et il réussit par ses expressions, ses silences, ses mouvements, bref, toute la panoplie de son jeu à entretenir le trouble sur la réalité de ce qui se passe. Il se demande s’il est en train de perdre l’esprit, si les bruits inexplicables et les ombres ne bougent que dans sa tête. Les deux tiers du film sont donc une réussite, avec assez peu de jumps scare puisque toute la peur que suscite le film se situe sur l’atmosphère vraiment creepy, et la veuve du défunt, Mme Litvak, qui est aussi flippante qu’attendrissante, lorsqu’elle a des moments de lucidité entre ses crises de démence (la performance de l’actrice Lynn Cohen est également phénoménale).

Mais la dernière partie est moins intéressante, dès que le Dybbuk, sorte de démon que le mort a attiré lors de son passage à Buchenvald, est révélé et que l’on sait comment il fonctionne et comment le combattre. On retombe ainsi dans une production classique qui reprend sans grande invention les codes des films de possessions et fait retomber toute la tension accumulée. A noter tout de même l’excellente scène lorsque Yakov essaie de fuir la maison, réaction enfin « normale » que tout le monde devrait avoir dans ce genre de situation.

En conclusion, c’est un film à voir, pour l’histoire qui sort des sentiers battus, la façon dont elle est traitée et la performance remarquable des deux acteurs principaux, même si la dernière partie est un peu moins à niveau, elle ne gâche pas non plus tout le film. Attention à voir une version avec sous titres, même si le film est en anglais, car il y a de nombreux dialogues en yiddish pour accentuer l’immersion dans la communauté. Je recommande vraiment The Vigil : 15/20.

Film d’horreur espagnol du jeune réalisateur Ángel Gómez Hernández qui livre ici son premier long métrage après avoir fait ses armes sur des courts dont Behind (cliquez pour le visionner sur la chaine Youtube de l’auteur) et qui a reçu une multitude de nominations et de prix. Dès les premières scènes, on repère les références à Insidious ou The Conjuring à qui il emprunte les plans où les esprits se trouvent en arrière plan pour installer une atmosphère. Il utilise hélas beaucoup de jumps scare trop flagrants, même si quelques-uns sont très efficaces.

Et cette atmosphère est bien présente tout au long de cette histoire qui se découpe en plusieurs actes bien distinct. Le déroulé du storytelling est surprenant pour ce genre de production, mais passe parfaitement, et l’intelligence du script inscrit un rythme qui n’ennuie jamais le spectateur, sans parler du twist que j’avoue honteusement ne pas avoir vu venir, et dont l’effet a eu l’impact souhaité sur moi. A noter également que les « apparitions » et les séquences surnaturelles prennent place aussi bien en plein jour que la nuit, ce qui est assez rare, tellement les productions actuelles nous abreuvent de scènes dans le noir où on ne distingue rien.

Le casting est impeccable, même si je regrette le manque de profondeur dans les émotions que peuvent susciter certains personnages, comme par exemple la mère qui est à mon sens sous exploitée. En revanche, la scène dans la chambre de son fils, lorsqu’elle regarde sous le lit, puis au dessus et ainsi de suite est superbement filmée et la tension et la terreur qu’elle inspire est très réussie. Cela faisait longtemps que je n’avais pas vu une scène flippante comme celle là. En parlant de séquences remarquables, le tout premier plan et le dernier du film, sont brillants de simplicité tout en étant marquants. Vraiment travaillés et aboutis. Le personnage de Germán et de sa fille Ruth sont vraiment intéressants, j’aurai aussi aimé qu’ils soient plus développés.

Enfin, la bande son rehausse encore l’atmosphère particulière avec son lot de sons distordus et stressants, on dirait presque de la musique expérimentale, elle se prête bien pour accompagner l’image. Les critiques sont très partagées pour Don’t Listen, dont certaines assassines, mais je trouve que ce film vaut le détour, une production Netflix qui mérite qu’on s’y attarde, l’immersion dans l’histoire est totale et j’ai vraiment pris plaisir, je recommande : 14/20.

]]> https://reviews.oliverkrauq.com/dont-listen-voces/feed/ 0 https://reviews.oliverkrauq.com/winchester/ https://reviews.oliverkrauq.com/winchester/#respond Tue, 24 Nov 2020 21:22:18 +0000 https://reviews.oliverkrauq.com/?p=2861 Lire plus]]> (2018). Sarah Winchester, veuve de l’inventeur des armes du même nom, vit dans une maison prés de San Francisco. Persuadée que les esprits de ceux tués par les armes de son époux souhaitent être apaisés, elle fait construire de nouvelles pièces dans la maison, par dizaines, centaines, toutes aussi alambiquées qu’étranges. Lorsque le Conseil d’Administration de la société engage le docteur Eric Price pour établir un profil psychologique de Sarah, afin de savoir si elle est toujours apte à contrôler la société, il va découvrir la réalité surnaturelle dans laquelle vit la veuve.

Basée sur l’histoire vraie de la vie de Sarah Winchester et de son étonnante maison, les frères Spirieg (à qui l’on doit en autre Jigsaw), délivrent ici un film convenu, qu’on a l’impression d’avoir vu et revu. Une histoire de fantômes, de maison hantée, agrémentée par des jump scares souvent prévisibles. Cependant, je trouve qu’ils ont essayé d’installer une ambiance, une atmosphère toute particulière, en s’appropriant l’histoire étrange et fantasmagorique de cette veuve. Le postulat de base est si intriguant qu’il tient en haleine ceux qui réussiront à passer outre les lacunes du film.

En effet, chaque nuit, la veuve d’Oliver Winchester dessinent des plans de nouvelles pièces à ajouter à sa maison, tandis que des ouvriers travaillent sept jours sur sept afin de construire des extensions en suivant les directives de la veuve. Et pendant 37 ans, Sarah va suivre les conseils de sa medium et faire developper sa demeure afin d’apaiser les esprits et les fantômes des victimes des armes de sa société.

On est loin des standarts holywoodiens et les réalisateurs ont intégré avec brio tous les canons du genre. On aime ou on aime pas, mais le travail sur la photographie et le storytelling ingénieux de cette histoire méritent quand même qu’on s’y attarde. Le effets spéciaux et les maquillages sont basiques mais servent juste comme il faut l’image. De plus, on peut saluer la transcription impeccable de l’époque : la direction artistique est très convaincante dans sa reconstitution historique.

Mais le film vaut aussi le coup d’oeil pour le casting. Je ne rate jamais un film avec Helen Miren et sa présence réhausse n’importe quel production. La solide distribution sauve certaines faiblesses, le tandem Helen Mirren / Jason Clarke fonctionne à merveille et on y croit. Devant la multitude de films d’horreur et son sous-genre de la maison hantée, Winchester tire son épingle du jeu. J’ai passé un bon moment, et je ne suis pas sorti de l’histoire jusqu’au générique de fin. C’est un film à voir lorsqu’on a rien de transcendant à se mettre devant les yeux. 13/20.

Comment ai-je pu rater ce film argentin ? c’est tout bonnement et tout simplement une pépite, un film d’horreur qui a réussi à me filer la chair de poule en me foutant une vraie trouille ! Le genre de production qui oblige presque à dormir la lumière allumée.

Tout d’abord, la structure du récit éclaté, qui explore un à un les phénomènes qui se déroulent dans chaque maison, permet de construire une atmosphère flippante bien palpable. Rien que la première scène, dans la douche, donne le ton et jamais la tension ne retombe. Le réalisateur, Demián Rugna tire toutes les ficelles du cinéma de genre, de façon intelligente et sans jamais tomber dans des clichés trop voyants. Mêmes les scarejumps sont utilisés avec ingéniosité, et sont toujours bien placés.

L’immersion est totale, puisque les personnages ne semblent pas savoir où l’histoire les mène, et le spectateur est donc tout aussi perdu. Et là où ce film appuie sur les bons boutons pour déclencher la peur, c’est qu’il est impossible de la saisir. On ne sait jamais quand elle va surgir, ni jusqu’où elle risque de nous embarquer. Si vous êtes du genre à avoir de l’appréhension en pensant au monstre sous le lit ou dans le placard, bonne nuit après avoir visionner le film.

Je ne peux hélas ne pas en dire trop au risque de ruiner l’histoire. Quelques questions restent cependant en suspens à la fin, ce qui peut nous faire espérer une suite, que j’attendrai avec impatience si c’est le cas. Bref, vous aurez compris, Terrified, ou Aterrados en version originale, est une gros gros coup de coeur que je vous invite à découvrir, dans le noir, en seconde partie de soirée pour un effet de trouille optimal ! 17/20.

Si vous espérez une suite à Seoul Station et Train to Busan dans la même lignée, ce troisième opus va vous décevoir.  Peninsula est une sorte de melting pot sans invention de films existants. Prenez Escape from New York, remplacez le président par de l’argent et Manhattan par Séoul. Changez la scène du pont de Brooklyn par une course poursuite post apocalyptique de 15 minutes à la Mad Max 2, quelques scènes de voitures aussi improbables que dans Fast and Furious (mais avec une gamine de 12 ans en pilote, histoire d’être encore moins crédible) et une fin « presque » tragique propre au cinéma asiatique… Saupoudrez d’un humour potache omniprésent et vous obtenez un film qui mélange tellement de genre qu’il manque juste une danse des personnages version Bollywood ! On est donc bien plus proche d’un Zombieland 3 que d’un Train to Busan 2 !

Maintenant que j’ai identifié quel genre de film est Peninsula, voici mon avis.

La réalisation est toujours impeccable, la photographie est outrageuse et de nombreux plans inventifs agrémentent cette production. Le résultat est juste un ravissement pour les yeux et les oreilles. Les décors, les maquillages et les effets spéciaux sont impressionnants. Il se trouve que j’étais à Séoul il y a quelques mois et le trajet Incheon – Séoul, on y est, mais version apocalyptique.

L’écriture des personnages est très pauvre, bien en-dessous de Train to Busan. Il est très difficile de s’y attacher, et beaucoup sont des caricatures ridicules. Ceux qui meurent ? on s’en fout. Ceux qui survivent ? tant mieux pour eux, mais dans un sens comme dans l’autre, ils ne provoquent aucun sentiment (excepté peut-être les deux petites filles). L’interaction sociale entre les protagonistes est très manichéenne, sans nuance et donc sans saveur. A côté de ça, les acteurs jouent parfaitement leurs partitions.

Enfin l’histoire est également très light, aucune invention, tout a été vu, revu et souvent en mieux. Encore une fois, il y a vraiment un grand nombre d’idées récupérées d’autres productions et ceux qui connaissent très bien Escape from New York (et L.A.) feront un parallèle , c’est trop flagrant. Enfin, il y a multitude de lacunes dans le scénario, comblées par des explications bancales. Pendant tout le film, je me dis : Pourquoi pas d’hélicoptères, jusqu’à ce que… et cela amplifie encore ce sentiment d’incohérence. Bref…

En résumé, Peninsula est loin d’être un mauvais film, si on le visionne pour ce qu’il est : une production fun et légère, qui ne demande aucune réflexion. Appréciez ce long clip survolté qui en met plein les yeux comme un divertissement bourré d’actions. J’envisageais initialement une mauvaise note, par rapport à l’attente que j’avais pour ce dernier film d’une trilogie dont j’ai apprécié grandement les deux premiers, mais 13/20 me semble plus approprié pour un film Action/Zombie/Blockbuster de l’été. Je suis curieux d’avoir vos avis, n’hésitez pas à commenter.

Ce film d’horreur russe est une pure réussite. Bien que naviguant entre Alien et à moindre mesure The Thing, son originalité et son visuel en fait une production à part qui mérite vraiment la découverte. Tout d’abord, l’ambiance : pour son premier film Egor Abramenko s’est amusé avec le passé de son pays et retranscrit la machine soviétique dans tout ce qu’elle avait d’efficace et de terrifiant. La froideur du complexe qui se veut être une sorte de zone 51 russe se combine avec celle des personnages. Par exemple, aucun d’eux ne nous gratifie d’un seul sourire, pendant tout le film. La photographie terne et la musique presque inexistante distillent un mélange de rigidité et d’austérité. Mais lorsque la bande son se déchaîne enfin, sa tonitruance en fait l’élément principale de la scène qu’elle habille. Le montage en fait une utilisation très intelligente qui sert parfaitement le récit.

Les personnages sont calibrés afin de mettre en avant l’élément « humain » dans la narration en opposition avec la créature, bien qu’on en arrive assez vite à confondre les deux. Mon seul regret est l’arc narratif superflu à propos du fils du cosmonaute (cela rallonge un poil le film pour atteindre les deux heures, quelques scènes inutiles à mon sens), le reste du storytelling suffisait pour pointer du doigt les dimensions sociales des personnages. On découvre constamment que chacun en sait plus qu’il ne veut bien en dire, et les choix scénaristiques inattendus surprennent suffisamment pour que l’histoire se démarque des étiquettes qu’on a tendance à lui coller lors de la bande-annonce et la première partie du film.

La créature est l’autre réussite de cette production. Que ce soit son fonctionnement ou son originalité, on oscille constamment entre la terreur qu’elle provoque, et l’empathie qu’elle inspire. Visuellement, elle est juste superbe, et les CGI sont tellement impressionnants qu’elle devient un personnage à part entière, sans jamais sortir le spectateur du film, au contraire, elle permet de plonger encore plus profondément dans le récit. Les passages gores sont plutôt suggérés subtilement, presque pudiquement, accentuant encore le ressenti que l’on peut éprouver pour la créature, la compréhension de ses comportements et la compassion coupable qu’elle suscite.

Les acteurs interprètent leurs personnages avec justesse. On reconnaitra Oksana Akinshina qui avait fait un incursion hollywoodienne dans The Bourne Supremacy. J’ai visionné le film en version originale, je pense qu’il faut le voir en russe afin de profiter complètement de leur jeu. En effet, le russe permet des subtilités différentes qui risqueraient d’être immanquablement mal rendus dans un doublage français ou anglais.

En conclusion, Sputnik est un film efficace dans son exécution, même si certains le trouvent un peu lent, ce qui est pourtant nécessaire pour appuyer l’ambiance dont je parlais plus haut. Mais surtout, Sputnik fait partie des très rares productions qui continuent de me trotter dans la tête après le générique de fin, chose si peu courante dans notre société du tout jetable. Lorsqu’un film me fait cet effet, je ne peux que le conseiller, chaudement ! Produit par Sony et initialement prévu en salles, il est puni comme de nombreuses productions à sortir directement en VOD (à cause du Covid), alors guettez vos plateformes de streaming et priez pour qu’il y soit associé. C’est un excellent film. à voir ! 17/20.

C’est avec un esprit curieux que j’ai abordé ce film. En effet, la boite de production, IFC Films, a décidé de sortir le film en salles malgré le confinement. Comme seuls les drive-ins et des cinémas en plein air programmaient des séances, c’est sur un nombre limité d’écrans qu’il a été diffusé. Et bien il a réussi à rester 5 semaines en tête du box-office et a engranger une recette qui dépasse le million de dollar. Il fallait donc que je visionne ce film d’horreur.

Le scénario est des plus classiques, reprenant pas mal de clichés des Teen movies, (le personnage principal en est un, donc fatalement…) et de ficelles vues et revues pour les films d’horreur : le héros qui découvre une entité démoniaque, personne ne le croit etc… Cependant, les frères Pierce, les deux réalisateurs, ont réussi à délivrer une production à petit budget intéressante, qui essaie de se démarquer du genre tout en y collant le plus possible. Il y a quelque chose d’attirant dans cette ambition modeste. Cela donne un résultat qui se laisse regarder sans jamais tomber dans l’ennui, propre à la plupart des films d’horreur récents, comme le mauvais remake de The Grudge par exemple.

Même si là encore, le fondement de la sorcière n’est pas d’une originalité transcendante, la gestion de son apparition et surtout le jeu des acteurs rendent le tout assez crédible. L’immersion est assez surprenante, à aucun moment, je me suis dit « mais non, qui fait ça en vrai, face à cette situation ? ». Les personnages sont vraisemblables (bien moins crétins qu’à l’accoutumée en tout cas) et pallient la faiblesse du scénario, autant dans leur écriture que dans leur interprétation. Le casting d’inconnus est un vrai plus pour ce film. Les effets spéciaux à l’ancienne collent parfaitement avec l’image et sont distillés uniquement pour appuyer le story telling, sans abus, ni excès.

Au final, j’ai plutôt apprécié cette petite production, qui, comme j’aime à le dire, n’est bien sûr pas le film d’horreur de l’année, ni même de la décennie, mais mérite le coup d’œil. La démarche des Pierce est sincère et sans prétention, même si on peut regretter la facilité d’une bonne partie du scénario. Je déplore l’inutilité de la toute dernière image, qui laisse une porte ouverte à une suite de façon grossière. Mais dans cette période pauvre en nouveauté, il faut saluer l’effort. 12/20.

Enfin un film de zombies qui apporte quelque chose de nouveau. Cette production indépendante canadienne mérite le coup d’œil. Présentée dans de nombreux festivals à l’automne 2019, le film est disponible en VOD sur certaine plateforme de streaming depuis le 27 avril 2020. Une rapide explication sur le titre, qui m’a interpellé : il s’agit de lois permettant de définir « le degré de sang » pour définir la qualification d’Américain natif selon les ancêtres d’une personne. Explication complète et intéressante ici !

La scène d’ouverture, avec l’ancien de la réserve, est magnifique. Au petit matin, un vieux pécheur voit les poissons qu’il vient de vider, frétiller en revenant à la vie, signalant ainsi le début de l’épidémie. Les images sont belles et poétiques et cette première partie du film est une vraie réussite : le storytelling,  la mise en place des personnages et du cadre de la réserve, et la façon dont l’action va crescendo, démontre la maîtrise de la caméra de Jeff Barnaby. Il porte à lui tout seul son œuvre, qu’il a écrit, réalisé et édité lui-même. Malheureusement, la qualité du film ne restera pas à ce niveau pour la suite.

J’ai eu peur que Blood Quantum tombe dans un cliché politique, voire idéologique, en choisissant de rendre les indiens immunisés (ils ne se transforment pas s’ils sont mordus par exemple), pour dénoncer grossièrement le colonialisme, mais la gestion de cette partie est très intelligente et à aucun moment le message passe au-dessus du divertissement. D’ailleurs, un autre message, sous-jacent, sur l’écologie apparait en filigrane tout aussi subtilement. La cassure dans le récit est également une bonne chose : une fois l’épidémie déclarée, nous faisons un bond de six mois pour découvrir ce que le monde est devenu et comment la réserve gère sa survie et l’afflux de réfugiés qui tentent de rejoindre les micmaques.

La réalisation est très réussie, on sent que Barnaby a soigné beaucoup de ses plans, clairement influencé par Romero où on repère ici ou là quelques hommages. Cependant, je regrette un peu trop de scènes nocturnes, plus adaptées aux films de vampires que de zombies (mais c’est perso ^^). Les acteurs, apparemment tous amateurs, démontrent un grand talent (même si certaines interprétations sont inégales). La crédibilité du film était à ce prix et là aussi, aucune déception. Aucune déception non plus en ce qui concerne les scènes gores, au contraire même : une bonne tronçonneuse et des litres de sang, et les aficionados du genre se régaleront. Quelques idées innovantes et des effets spéciaux, à l’ancienne, donnent un cachet particulier à Blood Quantum qui s’inscrit dans la lignée des meilleures productions des années 80 (après tout le film est censé se dérouler en 81).

Sans en dévoiler plus, la seconde partie de l’histoire est très inégale scénaristiquement et de nombreux choix sont douteux, de nombreux sacrifices inutiles et toute la tension et la construction impeccable de la première partie retombent un peu, voire peut agacer, du moins en ce qui me concerne. Mais je vous invite vraiment à visionner cette production et n’hésitez pas à me donner votre avis en commentaire, je suis curieux de savoir ce que vous en penserez. Faites-vous une idée avec le trailer. Ce n’est pas le film de l’année, juste une curiosité et une bonne surprise à découvrir… à l’occasion. 12/20.

Je dois dire que j’attendais avec impatience cette nouvelle adaptation du roman éponyme de Stephen King. Petite précision : je n’ai rien contre les remakes ou les suites, au contraire même. D’ailleurs les dernières mises – ou remises – en images des romans du maître du fantastique ont été des réussites à l’instar de Ca. Même le remake de Carrie avec Chloé Moretz et Julianne Moore apportait quelque chose de nouveau, modernisant le récit et rafraichissant ainsi la version de 1976. Mais là… ma déception a été à la hauteur de mon attente. Ce film n’est tout simplement pas la nouvelle adaptation du roman, mais une adaptation de l’adaptation de 1989 du roman. Et c’est raté. Ce film n’apporte absolument rien de neuf au premier, si ce n’est la pirouette scénaristique qui n’est là que pour être un argument afin de dédouaner cette supercherie.

La réalisation est correcte, sans inventivité. La photographie est correcte. La casting est dans la même veine excepté pour l’excellent John Lightgow, sous exploité dans ce film. Le développement des personnages est insuffisant, à aucun moment on ne ressent une quelconque émotion pour ce qui leur arrive : ils meurent ? on s’en fout. Un bon point pour le montage, il évite l’ennui et impose un minimum de rythme. Je vais m’arrêter là pour cette review, il n’y a rien de plus à dire. Pour résumer, le chat est le meilleur personnage, et la bande-annonce flippante (plus que le film d’ailleurs et dont certaines images n’apparaissent pas au cinéma), l’affiche et la chanson du générique de fin sont les seules choses à retenir de cette production.

Je ne vais exceptionnellement pas noter Pet Sematary. Si vous êtes un inconditionnel de Stephen King (et j’ai beaucoup de fanatiques dans mon entourage ^^), vous irez le voir malgré ma critique. J’attends vos avis (soyez gentil avec moi hein !). Si vous êtes « que » cinéphile, fan de films d’horreur, attendez la vidéo pour le regarder tranquillement chez vous, une place de cinéma ne vaut pas les 2 ou 3 scares jump et l’impression d’avoir été pris pour un gogo !

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