(2021). Le 18 juillet 1981, les Warren assistent et participent à l’exorcisme du jeune David Glatzel, dans la maison familiale. La grande sœur du jeune David et son petit ami, Arne Johnson, sont également présents lors du rituel. Tandis que la situation leur échappe, Arne Johnson sauve l’enfant en ordonnant au démon de prendre sa place. C’est précisément ce qui se passe. Le démon quitte le garçon et habite Johnson, conduisant à un résultat beaucoup plus dangereux. Et lorsque Arne assassine à coup de couteaux un innocent et se retrouve en prison, les Warren décident d’enquêter pour prouver qu’il a agit sous l’emprise d’une possession démoniaque.

Il s’agit là du troisième film The Conjuring et du septième de la franchise (les autres se concentrant sur la poupée Annabelle et sur La Nonne). Nous découvrons l’un des dossiers secrets du couple Warren, basée sur des faits réels. De ce fait, le procés de Johnson est le premier cas aux États-Unis où la défense à rééellement plaider la possession démoniaque au moment des faits. Cet épisode se démarque de ses prédécesseurs puisqu’il est construit comme un thriller, et l’on retrouve nos deux enquêteurs spécialistes en paranormal qui n’hésitent pas à aller frapper aux portes, pour obtenir des informations utiles pour la défense de Johnson. 

La scène d’introduction, concernant l’exorcisme du jeune David Glatzel est une réussite et nous plonge immédiatement dans l’ambiance. Et si vous êtes familiers des deux autres productions mettant en scène Ed et Lorraine Warren, alors vous retrouverez immédiatement vos marques. Le scénario est relativement convenu, même si quelques idées intéressantes viennent agrémenter le récit, tout comme les petites références à Annabelle, pour les aficionados de la franchise. Mais ne vous y trompez pas, The Conjuring reste un film d’horreur, à l’esthétique soignée, sous la supervision de Michael Chaves à qui l’ont doit récemment le très bon The Curse of La Llonora.

Le tandem Patrick Wilson / Vera Farmiga fonctionne comme pour les autres et le soin apporté aux vêtements et à leur physique, collent toujours avec le couple original. Nous les voyons d’ailleurs lors du générique de fin et des enregistrements originaux du cas recensé dans le film nous sont dévoilés. À noter l’apport de l’immense John Noble dans le rôle du prêtre à la retraite, pièce centrale de l’histoire, et la performance de Ruairi O’Connor dont nous suivons l’incarcération et qui tente de résister à la malédiction dont il est victime en attendant que les Warren bouclent l’enquête et découvrent la vérité.

Bien que le film soit tout de même un peu en dessous des deux premiers et s’éloigne du travail de James Wan, notamment en n’incluant plus l’élément de la maison hantée qui avait fait le succés de la franchise, j’ai apprécié l’audace et la tentative d’un nouveau narratif qui enrichit finalement l’univers. Initialement prévu pour septembre 2020 sous le titre The Conjuring 3, il est sorti, comme beaucoup de films, plus tard et a été renommé au passage. Je recommande : 14/20.

]]> https://reviews.oliverkrauq.com/the-conjuring-the-devil-made-me-do-it/feed/ 0 https://reviews.oliverkrauq.com/chaos-walking/ https://reviews.oliverkrauq.com/chaos-walking/#respond Tue, 06 Apr 2021 21:12:45 +0000 https://reviews.oliverkrauq.com/?p=3028 Lire plus]]> (2021). En 2257, sur une planète colonisée par les hommes nommée « Nouveau Monde », Todd vit avec ses deux pères adoptifs depuis la mort de sa mère, tuée comme toutes les autres femmes de la colonie par des aliens indigènes. Cette planète produit un phénomène appelé « The Noise » qui amplifient les pensées et les exposent à la vue de tous. Lorsqu’un vaisseau s’écrase sur la planète et que le seul survivant est une femme, le maire de la colonie veut sa capture. Todd, déterminé à la protéger, alors qu’elle n’est pas affligée par « The Noise », décide de l’escorter au travers de la jungle vers une autre colonie pour y trouver refuge.

Adaptée du premier livre de la série de Patrick Ness, Chaos Walking est une dystopie de science-fiction qui n’est pas sans faire penser à Hunger Games. Cependant, j’ai souvent eu l’impression de visionner une sorte de western moderne : les protagonistes se déplaçant à cheval et utilisant des armes conventionnelles (dans un premier temps). La cinématique est vraiment réussie, les scènes d’actions (justement lors des poursuites à cheval) sont convaincantes et je dois avouer que la façon dont « The Noise » est rendu à l’écran est vraiment démonstrative. Une sorte de brume rose et bleue vole autour de la tête du personnage et on entend ses pensées, même lorsqu’il essaie de les dissimuler. Cela crée quelques interactions surprenantes entre Tom Holland et Daisy Ridley.

En parlant des acteurs, l’alchimie des deux protagnistes est évidente à l’écran et l’on arrive facilement à se détacher de leurs rôles phares : Spiderman et Rey (Starwars). Mads Mikkelsen est égale à lui-même dans le rôle du maire, figure autoritaire qui transpire le patriaciat, soumis à l’excellent David Oyelowo, le prêtre maniaque qui conclut que si les femmes ne sont pas affectées par « The Noise », cela signifie simplement qu’elles n’ont pas d’âmes et deviennent ainsi des être impurs. Ses deux personnages toxiques personnifient par leur dimension le danger que peut représenter l’homme dans la civilisation. Lorsque le message n’est pas placardé comme souvent dans les productions récentes, mais un peu plus subtil dans son traitement, il est, à mon sens, bien plus efficace.

Pourtant, le film est très décevant. Je n’ai pas lu le matériau dont il est tiré, mais il semble évident que trop de raccourcis ont été pris pour faire rentrer le scénario dans la bouteille en éliminant de nombreux sujets, qui ne sont que survolés et nous laisse sur notre faim. Tout d’abord, la capacité de l’humanité à voyager sur 3 générations pour peupler ce nouveau monde est à peine évoquée, et si Viola (Daisy Ridley) explique succintement que son vaisseau mère, est le plus grand jamais conçue, on n’en sait pas plus, alors qu’il est censé transporter la seconde vague de colons. Ensuite, la pire frustration que j’ai ressentie concerne les aliens. Ceux là même qui ont soit-disant massacré toutes les femmes. Aucun développement, même si Todd se retrouve à en combattre un, on a juste l’impression qu’il a été montré à l’écran pour valider le postulat de l’absence de femmes, mais j’aurai vraiment aimé en savoir bien plus. Le prêtre n’est presque pas développé, et sa réaction avec le chien semble hors de propos. C’est grossièrement fait, et scénaristiquement inconsistant.

Et beaucoup de sujets sont traités de cette façon, enfin effleurés de cette façon, alors qu’on a vraiment l’impression que la richesse du monde et de l’histoire permettait un développement bien plus intéressant, au lieu de ne garder que le pitch téléphoné qui sent la simplicité au bout de 10 mn de film. Alors oui, les effets visuels sont intéressants, les paysages et les lieux de tournages sont magnifiques, les scénes d’actions sont bien chorégraphiées, le casting est excellent mais le film est plat, sans réelle intensité, et je me suis très vite ennuyé. La seule chose que j’en retiens, c’est peut-être l’envie de découvrir un peu plus le monde en lisant la série « young adult », même si ce n’est pas mon genre favori, pour palier le ratage de cette production.

Le film se concentre bien plus sur le world building, que sur les personnages qui évoluent peu (à part peut-être Viola) et laisse entrevoir une suite dont je doute de sa mise en production, devant la déception et les critiques de ce premier opus. Le film ne mérite pas plus que la moyenne, malgré quelques éléments attrayants, mais nous laisse avec trop de confusion pour y rester accroché tout du long. 11/20.

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Je ne spoile pas en parlant de la créature maléfique. Le film s’ouvre sur une séquence de dessin animé dans le plus pur style des années 40 en signalant des gremlins et la bande annonce dévoile ce monstre. Cette production que l’on pourrait qualifier de série B n’est pas bonne. On sent pourtant que Chloë Grace Moretz a mis tout son cœur pour tenir le film à bout de bras, et elle a vraiment du talent pour se démarquer dans ce scénario à l’écriture si pauvre et aux incohérences flagrantes, mais cela ne suffit hélas pas. Je dois dire qu’elle est le seul intérêt du film, pour son excellente interprétation.

La créature : je n’ai rien à redire sur son design, une sorte de chauve souris géante dont les aptitudes ne sont pas sans rappeler celle de l’épisode de Twilight Zone « Cauchemars à 30 000 pieds » lorsqu’une bestiole similaire arrache des morceaux de l’aile d’un avion et que seul un passager la voit. Mais là, sa motivation reste floue, pourquoi fait-elle cela ? une explication aurait pu rendre ses actions un peu plus claires, surtout lors de la dernière scène. L’autre point du scénario concerne le « colis » que Chloë Moretz transporte, et ce qu’il contient. Il éveille un intérêt tant que nous ne savons pas ce qu’il y a à l’intérieur, ensuite, cela devient un peu… débile.

J’ai assez apprécié la première partie, lorsqu’elle est dans la tourelle et qu’elle communique avec tous les membres de l’équipage, aussi infectes les uns que les autres. Le film dénonce comment les hommes considéraient les femmes à cette époque (on peut imaginer que le message se veut d’actualité), ne lui donnant aucun crédit lorsqu’elle dit être pilote (ceci dit, il n’y avait pas de pilotes de bombardier femme pendant la WW2), lorsqu’elle signale pourquoi il y a des problèmes de dysfonctionnement de l’appareil à cause du gremlin etc… mais cela devient un peu gros lorsqu’à elle seule elle sauve la situation, contre les japonais, contre la créature qu’elle expulse, et en faisant atterrir l’avion. Et pour clore le tout, son combat final contre la créature qui est hélas vraiment ridicule. Le générique de fin enfonce le clou, pour ceux qui n’auraient pas compris ce que la réalisatrice Roseanne Liang voulait transmettre comme message : c’est très maladroit et contre productif, comme souvent.

Par contre, la séquence où elle récupère son « colis » accroché à l’aile et qui risque de chuter est vraiment bien réalisée, même si elle est complètement surréaliste et impossible. Et un bon point pour la musique très Carpenter ! Pour conclure, j’aurai vraiment voulu aimer ce film pop-corn, étant un grand fan de Chloë Grace Moretz mais ma fan attitude a des limites et Shadow in the Cloud marque cette frontière. Il est court, je ne me suis pas ennuyé, mais à ne visionner que si vous n’avez vraiment rien d’autre à voir. 10/20 (pour l’effort d’interprétation et la scène d’action).

Basée sur l’histoire vraie de la vie de Sarah Winchester et de son étonnante maison, les frères Spirieg (à qui l’on doit en autre Jigsaw), délivrent ici un film convenu, qu’on a l’impression d’avoir vu et revu. Une histoire de fantômes, de maison hantée, agrémentée par des jump scares souvent prévisibles. Cependant, je trouve qu’ils ont essayé d’installer une ambiance, une atmosphère toute particulière, en s’appropriant l’histoire étrange et fantasmagorique de cette veuve. Le postulat de base est si intriguant qu’il tient en haleine ceux qui réussiront à passer outre les lacunes du film.

En effet, chaque nuit, la veuve d’Oliver Winchester dessinent des plans de nouvelles pièces à ajouter à sa maison, tandis que des ouvriers travaillent sept jours sur sept afin de construire des extensions en suivant les directives de la veuve. Et pendant 37 ans, Sarah va suivre les conseils de sa medium et faire developper sa demeure afin d’apaiser les esprits et les fantômes des victimes des armes de sa société.

On est loin des standarts holywoodiens et les réalisateurs ont intégré avec brio tous les canons du genre. On aime ou on aime pas, mais le travail sur la photographie et le storytelling ingénieux de cette histoire méritent quand même qu’on s’y attarde. Le effets spéciaux et les maquillages sont basiques mais servent juste comme il faut l’image. De plus, on peut saluer la transcription impeccable de l’époque : la direction artistique est très convaincante dans sa reconstitution historique.

Mais le film vaut aussi le coup d’oeil pour le casting. Je ne rate jamais un film avec Helen Miren et sa présence réhausse n’importe quel production. La solide distribution sauve certaines faiblesses, le tandem Helen Mirren / Jason Clarke fonctionne à merveille et on y croit. Devant la multitude de films d’horreur et son sous-genre de la maison hantée, Winchester tire son épingle du jeu. J’ai passé un bon moment, et je ne suis pas sorti de l’histoire jusqu’au générique de fin. C’est un film à voir lorsqu’on a rien de transcendant à se mettre devant les yeux. 13/20.

Comment ai-je pu rater ce film argentin ? c’est tout bonnement et tout simplement une pépite, un film d’horreur qui a réussi à me filer la chair de poule en me foutant une vraie trouille ! Le genre de production qui oblige presque à dormir la lumière allumée.

Tout d’abord, la structure du récit éclaté, qui explore un à un les phénomènes qui se déroulent dans chaque maison, permet de construire une atmosphère flippante bien palpable. Rien que la première scène, dans la douche, donne le ton et jamais la tension ne retombe. Le réalisateur, Demián Rugna tire toutes les ficelles du cinéma de genre, de façon intelligente et sans jamais tomber dans des clichés trop voyants. Mêmes les scarejumps sont utilisés avec ingéniosité, et sont toujours bien placés.

L’immersion est totale, puisque les personnages ne semblent pas savoir où l’histoire les mène, et le spectateur est donc tout aussi perdu. Et là où ce film appuie sur les bons boutons pour déclencher la peur, c’est qu’il est impossible de la saisir. On ne sait jamais quand elle va surgir, ni jusqu’où elle risque de nous embarquer. Si vous êtes du genre à avoir de l’appréhension en pensant au monstre sous le lit ou dans le placard, bonne nuit après avoir visionner le film.

Je ne peux hélas ne pas en dire trop au risque de ruiner l’histoire. Quelques questions restent cependant en suspens à la fin, ce qui peut nous faire espérer une suite, que j’attendrai avec impatience si c’est le cas. Bref, vous aurez compris, Terrified, ou Aterrados en version originale, est une gros gros coup de coeur que je vous invite à découvrir, dans le noir, en seconde partie de soirée pour un effet de trouille optimal ! 17/20.

Si vous espérez une suite à Seoul Station et Train to Busan dans la même lignée, ce troisième opus va vous décevoir.  Peninsula est une sorte de melting pot sans invention de films existants. Prenez Escape from New York, remplacez le président par de l’argent et Manhattan par Séoul. Changez la scène du pont de Brooklyn par une course poursuite post apocalyptique de 15 minutes à la Mad Max 2, quelques scènes de voitures aussi improbables que dans Fast and Furious (mais avec une gamine de 12 ans en pilote, histoire d’être encore moins crédible) et une fin « presque » tragique propre au cinéma asiatique… Saupoudrez d’un humour potache omniprésent et vous obtenez un film qui mélange tellement de genre qu’il manque juste une danse des personnages version Bollywood ! On est donc bien plus proche d’un Zombieland 3 que d’un Train to Busan 2 !

Maintenant que j’ai identifié quel genre de film est Peninsula, voici mon avis.

La réalisation est toujours impeccable, la photographie est outrageuse et de nombreux plans inventifs agrémentent cette production. Le résultat est juste un ravissement pour les yeux et les oreilles. Les décors, les maquillages et les effets spéciaux sont impressionnants. Il se trouve que j’étais à Séoul il y a quelques mois et le trajet Incheon – Séoul, on y est, mais version apocalyptique.

L’écriture des personnages est très pauvre, bien en-dessous de Train to Busan. Il est très difficile de s’y attacher, et beaucoup sont des caricatures ridicules. Ceux qui meurent ? on s’en fout. Ceux qui survivent ? tant mieux pour eux, mais dans un sens comme dans l’autre, ils ne provoquent aucun sentiment (excepté peut-être les deux petites filles). L’interaction sociale entre les protagonistes est très manichéenne, sans nuance et donc sans saveur. A côté de ça, les acteurs jouent parfaitement leurs partitions.

Enfin l’histoire est également très light, aucune invention, tout a été vu, revu et souvent en mieux. Encore une fois, il y a vraiment un grand nombre d’idées récupérées d’autres productions et ceux qui connaissent très bien Escape from New York (et L.A.) feront un parallèle , c’est trop flagrant. Enfin, il y a multitude de lacunes dans le scénario, comblées par des explications bancales. Pendant tout le film, je me dis : Pourquoi pas d’hélicoptères, jusqu’à ce que… et cela amplifie encore ce sentiment d’incohérence. Bref…

En résumé, Peninsula est loin d’être un mauvais film, si on le visionne pour ce qu’il est : une production fun et légère, qui ne demande aucune réflexion. Appréciez ce long clip survolté qui en met plein les yeux comme un divertissement bourré d’actions. J’envisageais initialement une mauvaise note, par rapport à l’attente que j’avais pour ce dernier film d’une trilogie dont j’ai apprécié grandement les deux premiers, mais 13/20 me semble plus approprié pour un film Action/Zombie/Blockbuster de l’été. Je suis curieux d’avoir vos avis, n’hésitez pas à commenter.

Ce film d’horreur russe est une pure réussite. Bien que naviguant entre Alien et à moindre mesure The Thing, son originalité et son visuel en fait une production à part qui mérite vraiment la découverte. Tout d’abord, l’ambiance : pour son premier film Egor Abramenko s’est amusé avec le passé de son pays et retranscrit la machine soviétique dans tout ce qu’elle avait d’efficace et de terrifiant. La froideur du complexe qui se veut être une sorte de zone 51 russe se combine avec celle des personnages. Par exemple, aucun d’eux ne nous gratifie d’un seul sourire, pendant tout le film. La photographie terne et la musique presque inexistante distillent un mélange de rigidité et d’austérité. Mais lorsque la bande son se déchaîne enfin, sa tonitruance en fait l’élément principale de la scène qu’elle habille. Le montage en fait une utilisation très intelligente qui sert parfaitement le récit.

Les personnages sont calibrés afin de mettre en avant l’élément « humain » dans la narration en opposition avec la créature, bien qu’on en arrive assez vite à confondre les deux. Mon seul regret est l’arc narratif superflu à propos du fils du cosmonaute (cela rallonge un poil le film pour atteindre les deux heures, quelques scènes inutiles à mon sens), le reste du storytelling suffisait pour pointer du doigt les dimensions sociales des personnages. On découvre constamment que chacun en sait plus qu’il ne veut bien en dire, et les choix scénaristiques inattendus surprennent suffisamment pour que l’histoire se démarque des étiquettes qu’on a tendance à lui coller lors de la bande-annonce et la première partie du film.

La créature est l’autre réussite de cette production. Que ce soit son fonctionnement ou son originalité, on oscille constamment entre la terreur qu’elle provoque, et l’empathie qu’elle inspire. Visuellement, elle est juste superbe, et les CGI sont tellement impressionnants qu’elle devient un personnage à part entière, sans jamais sortir le spectateur du film, au contraire, elle permet de plonger encore plus profondément dans le récit. Les passages gores sont plutôt suggérés subtilement, presque pudiquement, accentuant encore le ressenti que l’on peut éprouver pour la créature, la compréhension de ses comportements et la compassion coupable qu’elle suscite.

Les acteurs interprètent leurs personnages avec justesse. On reconnaitra Oksana Akinshina qui avait fait un incursion hollywoodienne dans The Bourne Supremacy. J’ai visionné le film en version originale, je pense qu’il faut le voir en russe afin de profiter complètement de leur jeu. En effet, le russe permet des subtilités différentes qui risqueraient d’être immanquablement mal rendus dans un doublage français ou anglais.

En conclusion, Sputnik est un film efficace dans son exécution, même si certains le trouvent un peu lent, ce qui est pourtant nécessaire pour appuyer l’ambiance dont je parlais plus haut. Mais surtout, Sputnik fait partie des très rares productions qui continuent de me trotter dans la tête après le générique de fin, chose si peu courante dans notre société du tout jetable. Lorsqu’un film me fait cet effet, je ne peux que le conseiller, chaudement ! Produit par Sony et initialement prévu en salles, il est puni comme de nombreuses productions à sortir directement en VOD (à cause du Covid), alors guettez vos plateformes de streaming et priez pour qu’il y soit associé. C’est un excellent film. à voir ! 17/20.

C’est avec un esprit curieux que j’ai abordé ce film. En effet, la boite de production, IFC Films, a décidé de sortir le film en salles malgré le confinement. Comme seuls les drive-ins et des cinémas en plein air programmaient des séances, c’est sur un nombre limité d’écrans qu’il a été diffusé. Et bien il a réussi à rester 5 semaines en tête du box-office et a engranger une recette qui dépasse le million de dollar. Il fallait donc que je visionne ce film d’horreur.

Le scénario est des plus classiques, reprenant pas mal de clichés des Teen movies, (le personnage principal en est un, donc fatalement…) et de ficelles vues et revues pour les films d’horreur : le héros qui découvre une entité démoniaque, personne ne le croit etc… Cependant, les frères Pierce, les deux réalisateurs, ont réussi à délivrer une production à petit budget intéressante, qui essaie de se démarquer du genre tout en y collant le plus possible. Il y a quelque chose d’attirant dans cette ambition modeste. Cela donne un résultat qui se laisse regarder sans jamais tomber dans l’ennui, propre à la plupart des films d’horreur récents, comme le mauvais remake de The Grudge par exemple.

Même si là encore, le fondement de la sorcière n’est pas d’une originalité transcendante, la gestion de son apparition et surtout le jeu des acteurs rendent le tout assez crédible. L’immersion est assez surprenante, à aucun moment, je me suis dit « mais non, qui fait ça en vrai, face à cette situation ? ». Les personnages sont vraisemblables (bien moins crétins qu’à l’accoutumée en tout cas) et pallient la faiblesse du scénario, autant dans leur écriture que dans leur interprétation. Le casting d’inconnus est un vrai plus pour ce film. Les effets spéciaux à l’ancienne collent parfaitement avec l’image et sont distillés uniquement pour appuyer le story telling, sans abus, ni excès.

Au final, j’ai plutôt apprécié cette petite production, qui, comme j’aime à le dire, n’est bien sûr pas le film d’horreur de l’année, ni même de la décennie, mais mérite le coup d’œil. La démarche des Pierce est sincère et sans prétention, même si on peut regretter la facilité d’une bonne partie du scénario. Je déplore l’inutilité de la toute dernière image, qui laisse une porte ouverte à une suite de façon grossière. Mais dans cette période pauvre en nouveauté, il faut saluer l’effort. 12/20.

Enfin un film de zombies qui apporte quelque chose de nouveau. Cette production indépendante canadienne mérite le coup d’œil. Présentée dans de nombreux festivals à l’automne 2019, le film est disponible en VOD sur certaine plateforme de streaming depuis le 27 avril 2020. Une rapide explication sur le titre, qui m’a interpellé : il s’agit de lois permettant de définir « le degré de sang » pour définir la qualification d’Américain natif selon les ancêtres d’une personne. Explication complète et intéressante ici !

La scène d’ouverture, avec l’ancien de la réserve, est magnifique. Au petit matin, un vieux pécheur voit les poissons qu’il vient de vider, frétiller en revenant à la vie, signalant ainsi le début de l’épidémie. Les images sont belles et poétiques et cette première partie du film est une vraie réussite : le storytelling,  la mise en place des personnages et du cadre de la réserve, et la façon dont l’action va crescendo, démontre la maîtrise de la caméra de Jeff Barnaby. Il porte à lui tout seul son œuvre, qu’il a écrit, réalisé et édité lui-même. Malheureusement, la qualité du film ne restera pas à ce niveau pour la suite.

J’ai eu peur que Blood Quantum tombe dans un cliché politique, voire idéologique, en choisissant de rendre les indiens immunisés (ils ne se transforment pas s’ils sont mordus par exemple), pour dénoncer grossièrement le colonialisme, mais la gestion de cette partie est très intelligente et à aucun moment le message passe au-dessus du divertissement. D’ailleurs, un autre message, sous-jacent, sur l’écologie apparait en filigrane tout aussi subtilement. La cassure dans le récit est également une bonne chose : une fois l’épidémie déclarée, nous faisons un bond de six mois pour découvrir ce que le monde est devenu et comment la réserve gère sa survie et l’afflux de réfugiés qui tentent de rejoindre les micmaques.

La réalisation est très réussie, on sent que Barnaby a soigné beaucoup de ses plans, clairement influencé par Romero où on repère ici ou là quelques hommages. Cependant, je regrette un peu trop de scènes nocturnes, plus adaptées aux films de vampires que de zombies (mais c’est perso ^^). Les acteurs, apparemment tous amateurs, démontrent un grand talent (même si certaines interprétations sont inégales). La crédibilité du film était à ce prix et là aussi, aucune déception. Aucune déception non plus en ce qui concerne les scènes gores, au contraire même : une bonne tronçonneuse et des litres de sang, et les aficionados du genre se régaleront. Quelques idées innovantes et des effets spéciaux, à l’ancienne, donnent un cachet particulier à Blood Quantum qui s’inscrit dans la lignée des meilleures productions des années 80 (après tout le film est censé se dérouler en 81).

Sans en dévoiler plus, la seconde partie de l’histoire est très inégale scénaristiquement et de nombreux choix sont douteux, de nombreux sacrifices inutiles et toute la tension et la construction impeccable de la première partie retombent un peu, voire peut agacer, du moins en ce qui me concerne. Mais je vous invite vraiment à visionner cette production et n’hésitez pas à me donner votre avis en commentaire, je suis curieux de savoir ce que vous en penserez. Faites-vous une idée avec le trailer. Ce n’est pas le film de l’année, juste une curiosité et une bonne surprise à découvrir… à l’occasion. 12/20.

Le film est sorti officiellement en salle le 13 mars et pour cause de Covid-19, est devenu disponible sur les plateformes de VOD et de streaming le 24 mars. Adapté d’un comics que je n’ai jamais lu, Bloodshot a pour ambition d’être le premier personnage de Valiant Entertainement (extension de Valiant Comics), initiateur d’un nouvel univers cinématique. Mais à ce jour, seul Marvel réussit avec succès dans le domaine, tandis que le Dark Universe a rapidement avorté avec The Mummy. DC ne cesse de se réinventer mais rame à s’installer de façon cohérente. Une petite mention pour The Conjuring qui navigue dans un univers d’horreur en faisant la jonction sur un bon nombre de productions. Mais revenons à Bloodshot.

La bande-annonce m’avait bien accroché et j’avais hâte d’en voir plus. La douche froide en a été d’autant plus brutale. Bloodshot est simplement et tout bonnement ennuyeux. Le scénario est d’un banal à pleurer, miné de trous et d’incohérences, digne d’un mauvais film de série B. On peut débrancher son cerveau, il n’y a rien à réfléchir. Vin Diesel est égal à lui même, et ses talents d’acteurs ne sont transcendés que lorsque l’habillage nous fait oublier son jeu, comme dans les Riddick ou en moindre mesure les gros blockbusters d’actions, les premiers Fast and Furious ou Triple X. Mais un film ne peut pas sans sortir s’il doit reposer uniquement sur ses épaules.

Tous les personnages sont des archétypes de caricatures, même Guy Pierce (dont on se demande ce qu’il fout là) ne s’en sort pas malgré ses efforts pour essayer de donner un peu de profondeur à son rôle. Les deux autres soldats sont sans intérêt et la superbe Eiza Gonzàlez hérite d’un personnage relativement creux qu’on aura vite oublié (il y avait pourtant du potentiel). Enfin l’éternel nerd, spécialiste en informatique, moitié clown moitié génie, qui pour le coup est le seul qui mérite qu’on s’y attarde.

Restent les scènes d’actions et les effets spéciaux, plutôt bien réalisés, même si là aussi il y a à redire. La première, dans le tunnel est trop longue. Plus ils tuent de soldats, plus il y en a, alors que le convoi en indiquait un nombre bien plus limité, mais par rapport à l’ensemble, c’est un détail négligeable de plus. La baston finale vaut le coup d’œil, avec quelques effets de caméra bien sentis et de bonnes idées, mais ne suffit pas à relever le niveau d’ennui de Bloodshot, dont le nom n’est d’ailleurs jamais prononcé une seule fois pendant le film. Si vous êtes bon public, visionnez-le sans grande attente, et si vous êtes exigeant, passez votre chemin. 9/20 (pour les effets spéciaux).