Très motivé pour faire cette critique à la sortie de salle tellement j’ai été déçu, j’avoue que le vide du film, sitôt vu, sitôt oublié, a tué cette envie. Mais bon, je m’y suis engagé, alors c’est parti. Réputé difficile (pour ne pas dire impossible) à adapter au cinéma, le roman Dune a vu plusieurs tentatives plus ou moins, plutôt moins, réussies. Mais celle de Denis Villeneuve est un échec, bien que je doive relever quelques bons points avant d’argumenter sur les mauvais. Tout d’abord la photographie est magnifique et la cinématographie est très propre et pro. Les 165 millions de dollars de budget crèvent littéralement l’écran. Pour ceux qui ne connaissent pas le livre, la narration est plutôt réussie, même si elle est bien trop explicative sur certains aspects et complètement oubliée sur d’autres. Mais si on pose pour la première fois un pied dans le monde de Dune, on n’est pas complètement perdu (juste un peu), alors que la complexité du livre impose un glossaire de plusieurs dizaines de pages pour que le lecteur s’y retrouve.

Le casting est assez convaincant, pour ce que le réalisateur a voulu en faire. Sans que Timothée Chalamet soit exceptionnel, son physique de jouvenceau lui permet d’incarner Paul Atreides, censé avoir 15 ans. Mais dans chaque plan, il suggère le poids de son héritage et de son devenir, sans jamais laisser un doute au spectateur. Les autres font le boulot qui leur a été assigné, et c’est justement un des soucis qui m’a dérangé. Excepté Jason Momoa, aucun des personnages ne déclenche d’émotions, ou n’est attachant. À mesure de l’avancée du film, je me faisais la réflexion que n’importe lequel des personnages pouvaient mourir (si je ne connaissais pas l’histoire), que je n’en aurais rien à faire. Et j’ai eu le temps d’avoir cette pensée devant la lenteur de cette production et l’ennui qu’elle a suscité. Je suis un grand fan de Rebecca Fergusson, récemment dans Reminiscence, ou même dans le très moyen Docteur Sleep, elle tire toujours son épingle du jeu. Pas cette fois. Elle passe son temps à pleurer la moitié de ses scènes (vraiment !)… Je ne peux pas reprocher à Denis Villeneuve d’avoir une vision complète d’une possible franchise, mais cela a tant influencé ses choix de mise en avant des personnages que le sens du récit en a été tronqué. J’ai eu l’impression d’assister à une longue bande annonce de l’univers de Dune.

En effet, certains personnages relativement important dans ce premier livre (ou demi livre pour l’adaptation en l’état) sont éludés avec une rapidité surprenante, certainement parce qu’ils ne seront plus là dans la suite. Alors pourquoi s’embarrasser de leur présence ou d’expliquer en profondeur qui ils sont. De manière générale, excepté Paul et Jessica, la plupart n’ont que quelques minutes à l’écran et quelques phrases à déclamer, alors que nous parlons de 2h35 de film. D’autres passent à la trappe, quid de Feyd Rautha, aussi important, si ce n’est plus que Rabban. Les mentats ne sont pas exploités non plus à leur juste valeur, alors qu’ils sont d’une importance bien plus centrale, et par extension, on oublie la bible orange. Piter de Vir n’est même pas nommé, et meurt dans l’indifférence du spectateur qui ne sait finalement pas qui il est. Ce qui rejoint mon sentiment du manque d’émotion ou d’attachement pour n’importe quel personnage. Même le Duc, un homme si bon, n’a pas la dimension que son caractère mérite. Alors je ne parle pas de l’Empereur, de la guilde des marchands, etc. Et tant que j’y suis pour les personnages, on a rarement fait plus médiocre en terme d’écriture de ceux-ci : aucune nuance n’est apportée. les Harkonnen ne sont que des caricatures de gros méchants prêt à vous manger tout cru, tout dans leur physique le suggère au cas où le spectateur est trop bête pour ne pas avoir compris qu’ils sont les vilains de l’histoire, et les Atreides sont les gentils sur tous les points, et vont fatalement s’allier aux autres gentils, les Fremen, mais qui vivent sur place.

Le cas du Dr Liet Kynes. Je ne vois aucun « puriste » s’insurger, alors que beaucoup encense à quel point le film suit le livre (mouais… on en parle de la maladie du baron ?). La description de Kynes dans le livre correspond exactement au physique de Max von Sydow qui l’incarnait dans la version de David Lynch en 1984. D’homme blanc d’âge mûr, il passe à femme noire bien plus jeune. Je ne suis pas contre ce genre de changement, lorsqu’il est justifié. Mais le scénariste Jon Spaihts a défendu ce choix en expliquant qu’il manquait de femmes fortes dans le roman. A-t-il lu le même que moi ? l’ordre du Bene Gesserit n’est-il pas un groupement d’individus de sexe féminin qui exerce une influence politique et religieuse au travers des siècles dans la société de l’Imperium, puis dans les siècles suivants, pour mener l’humanité vers des buts qui lui sont propres ?  J’y vois là une tentative de coller à l’air du temps, mais comme Kynes n’est pas plus développé que les autres personnages, cela reste anecdotique.

Les décors sont gigantesques, que cela soit sur Caladan, Geidi Prime ou bien sûr Arrakis. Mais vide et froid, même dans la chaleur de Dune. Tout est rempli de vide (j’aime cette formule ^^), tout est outrageusement dépouillé. Peut-être que le budget figurants n’étaient pas pris en compte dans les 165 M. Prenons l’exemple d’Arrakeen. Que ce soit la chambre de Leto et Jessica, gigantesque et ayant pour unique meuble : un lit ! ou lorsque Leto s’habille, et que Jessica vient le trouver, d’où sortent les vêtements puisque la pièce est vide ? les couloirs (lorsque Jessica court en y pleurant) sont également vides, pas de décoration, rien, pas un garde, rien. Même chose avec la scène de la révérende mère Gaius Helen Mohiam : une gigantesque pièce et une chaise au milieu (quelques bibliothèques autour).  Peut-être que Villeneuve a voulu accentuer l’immensité du désert aux intérieurs, mais je trouve que cela tue complètement l’immersion, effet inverse de ce qu’il a voulu faire, et accentue l’ennui que j’ai ressenti pendant la séance.

D’ailleurs, un autre défaut récurrent du film est qu’il ne se passe pratiquement rien. À la fin, je me suis dit « tout ça pour ça ? toute cette hype, toute cette promo pour cet ennui ? ». Il n’y a aucun rythme et on attend la grande scène qui ne vient jamais. On est bombardé en permanence de flashbacks et flashforwards bien trop cryptiques pour que cela ait un sens pour ceux qui ne connaissent pas le livre. Et il y a un réel problème dans le storytelling : par exemple, à la fin du film on en sait plus sur le fonctionnement des distilles ou des boucliers personnels que sur l’utilisation de l’épice ou la raison pour laquelle l’empereur a envoyé les Atreides remplacer les Harkonnen sur Arrakis. N’y a-t’il pas un souci là ?  On remarquera aussi le manque d’aboutissements dramatiques dans le narratif des personnages ou des situations, la frustration est presque aussi grande que lors de la dernière image, qui laisse un gout amer d’acte manqué. Je vais terminer par la musique. J’entends ici et là que Hans Zimmer a délivré une masterpiece ! non. Il n’y a aucun thème à retenir et l’accompagnement musical de ce film relève plus de sons d’ambiances propre aux films de SF que de musique, sans parler des chants agaçants et bien trop présents. Et pourtant, j’adore tant Hans Zimmer que je suis même allé le voir en concert. Mais là…

Bref, je ne vais pas insister, même si j’ai encore beaucoup à dire. J’ai aimé quelques trucs comme les ornithoptères, vraiment bien rendu et détesté tout le reste. Autant les vers des sables de Lynch avaient de la gueule, autant là, ils ressemblent juste à un anus géant ! Qui oserait me contredire sur ce point ? Alors oui, l’élégance du film est incontestable, les acteurs sont bien castés, mais le résultat est d’un décevant qui flirte avec l’escroquerie. Une promesse non-tenue. Mais était-elle tenable ? Quand je pense que j’ai lu que Villeneuve a réussi autant son adaptation que Peter Jackson pour le Seigneur des Anneaux, j’ai failli m’étouffer. Je ne comprends pas cet engouement autour de ce film plat et aseptisé, et je sais que mon avis est minoritaire (et bien évidemment impopulaire).  Alors n’hésitez pas à me contredire dans les commentaires, mais restez poli et courtois, on a tous le droit à un avis différent, aucune production artistique ne fait l’unanimité. Je donne 10/20 pour être gentil pour l’effort visuel.

Une production Netflix Germany qui nous délivre un film qui mélange l’allemand et l’anglais. N’étant pas fan de la langue teutonne, j’ai hésité, mais le résultat est plutôt convaincant. La mise en place de l’histoire est un poil lente, mais lorsque l’action débute, la tension est à son comble jusqu’à la fin. Ce dont souffre la mère d’Elias n’est pas un secret, entre le titre, l’affiche et le trailer, on découvre de suite qu’elle est un vampire. Mais aussi simple que puisse être le scénario, on se retrouve très vite dans un mix entre From Dusk Till Dawn, Snakes on a Plane et Train to Busan !

Peri Baumeister est incroyable de talent dans le rôle de Nadja. Avant de dévoiler sa nature, la façon dont elle la cache, en luttant contre la soif au bord de la nausée et de la douleur physique, est bluffante. Carl Koch (son fils Elias), joue sa partition de boussole morale qui tente en toute circonstance de freiner les élans inhumains de sa mère. Le tandem fonctionne bien et c’est la relation mère/fils qui donne tout l’attrait au film. C’est vraiment l’histoire d’une mère essayant de protéger son fils et les efforts que font les parents pour cacher leur côté monstrueux à leur progéniture.

Tous les personnages sont bien écrits, même les seconds rôles, donnant une profondeur à chacun d’eux. La réalisation de Peter Thorwarth est honnête, je regrette juste un montage en dents de scie, où certaines scènes semblent présentes juste pour faire du remplissage et atténuent légèrement la tension du film. Mais ce n’est pas suffisamment gênant pour nous sortir de l’histoire. Au passage, Thorwarth a écrit le scénario de The Wave (Die Welle), un film hallucinant où un professeur démontre par l’exemple le fonctionnement et la mise en place d’une dictature. Désolé pour cette divergence, mais c’est un film A VOIR ABSOLUMENT !

Bien que cette production ne soit pas exempte de défauts, c’est une bonne surprise qui mérite vraiment d’être visionné. J’ai récemment vu des films en salle qui n’étaient pas digne de se voir sur grand écran alors que j’aurai adoré Blood Red Sky en salles obscures ! Bref, vous avez compris que j’ai été séduit par ce film et je vous le recommande chaudement. Un « horreur » que l’on pourrait presque qualifier de série B mais qui tire son épingle du jeu pour changer de division : 16/20.

(2021). Le 18 juillet 1981, les Warren assistent et participent à l’exorcisme du jeune David Glatzel, dans la maison familiale. La grande sœur du jeune David et son petit ami, Arne Johnson, sont également présents lors du rituel. Tandis que la situation leur échappe, Arne Johnson sauve l’enfant en ordonnant au démon de prendre sa place. C’est précisément ce qui se passe. Le démon quitte le garçon et habite Johnson, conduisant à un résultat beaucoup plus dangereux. Et lorsque Arne assassine à coup de couteaux un innocent et se retrouve en prison, les Warren décident d’enquêter pour prouver qu’il a agit sous l’emprise d’une possession démoniaque.

Il s’agit là du troisième film The Conjuring et du septième de la franchise (les autres se concentrant sur la poupée Annabelle et sur La Nonne). Nous découvrons l’un des dossiers secrets du couple Warren, basée sur des faits réels. De ce fait, le procés de Johnson est le premier cas aux États-Unis où la défense à rééellement plaider la possession démoniaque au moment des faits. Cet épisode se démarque de ses prédécesseurs puisqu’il est construit comme un thriller, et l’on retrouve nos deux enquêteurs spécialistes en paranormal qui n’hésitent pas à aller frapper aux portes, pour obtenir des informations utiles pour la défense de Johnson. 

La scène d’introduction, concernant l’exorcisme du jeune David Glatzel est une réussite et nous plonge immédiatement dans l’ambiance. Et si vous êtes familiers des deux autres productions mettant en scène Ed et Lorraine Warren, alors vous retrouverez immédiatement vos marques. Le scénario est relativement convenu, même si quelques idées intéressantes viennent agrémenter le récit, tout comme les petites références à Annabelle, pour les aficionados de la franchise. Mais ne vous y trompez pas, The Conjuring reste un film d’horreur, à l’esthétique soignée, sous la supervision de Michael Chaves à qui l’ont doit récemment le très bon The Curse of La Llonora.

Le tandem Patrick Wilson / Vera Farmiga fonctionne comme pour les autres et le soin apporté aux vêtements et à leur physique, collent toujours avec le couple original. Nous les voyons d’ailleurs lors du générique de fin et des enregistrements originaux du cas recensé dans le film nous sont dévoilés. À noter l’apport de l’immense John Noble dans le rôle du prêtre à la retraite, pièce centrale de l’histoire, et la performance de Ruairi O’Connor dont nous suivons l’incarcération et qui tente de résister à la malédiction dont il est victime en attendant que les Warren bouclent l’enquête et découvrent la vérité.

Bien que le film soit tout de même un peu en dessous des deux premiers et s’éloigne du travail de James Wan, notamment en n’incluant plus l’élément de la maison hantée qui avait fait le succés de la franchise, j’ai apprécié l’audace et la tentative d’un nouveau narratif qui enrichit finalement l’univers. Initialement prévu pour septembre 2020 sous le titre The Conjuring 3, il est sorti, comme beaucoup de films, plus tard et a été renommé au passage. Je recommande : 14/20.

]]> https://reviews.oliverkrauq.com/the-conjuring-the-devil-made-me-do-it/feed/ 0 https://reviews.oliverkrauq.com/chaos-walking/ https://reviews.oliverkrauq.com/chaos-walking/#respond Tue, 06 Apr 2021 21:12:45 +0000 https://reviews.oliverkrauq.com/?p=3028 Lire plus]]> (2021). En 2257, sur une planète colonisée par les hommes nommée « Nouveau Monde », Todd vit avec ses deux pères adoptifs depuis la mort de sa mère, tuée comme toutes les autres femmes de la colonie par des aliens indigènes. Cette planète produit un phénomène appelé « The Noise » qui amplifient les pensées et les exposent à la vue de tous. Lorsqu’un vaisseau s’écrase sur la planète et que le seul survivant est une femme, le maire de la colonie veut sa capture. Todd, déterminé à la protéger, alors qu’elle n’est pas affligée par « The Noise », décide de l’escorter au travers de la jungle vers une autre colonie pour y trouver refuge.

Adaptée du premier livre de la série de Patrick Ness, Chaos Walking est une dystopie de science-fiction qui n’est pas sans faire penser à Hunger Games. Cependant, j’ai souvent eu l’impression de visionner une sorte de western moderne : les protagonistes se déplaçant à cheval et utilisant des armes conventionnelles (dans un premier temps). La cinématique est vraiment réussie, les scènes d’actions (justement lors des poursuites à cheval) sont convaincantes et je dois avouer que la façon dont « The Noise » est rendu à l’écran est vraiment démonstrative. Une sorte de brume rose et bleue vole autour de la tête du personnage et on entend ses pensées, même lorsqu’il essaie de les dissimuler. Cela crée quelques interactions surprenantes entre Tom Holland et Daisy Ridley.

En parlant des acteurs, l’alchimie des deux protagnistes est évidente à l’écran et l’on arrive facilement à se détacher de leurs rôles phares : Spiderman et Rey (Starwars). Mads Mikkelsen est égale à lui-même dans le rôle du maire, figure autoritaire qui transpire le patriaciat, soumis à l’excellent David Oyelowo, le prêtre maniaque qui conclut que si les femmes ne sont pas affectées par « The Noise », cela signifie simplement qu’elles n’ont pas d’âmes et deviennent ainsi des être impurs. Ses deux personnages toxiques personnifient par leur dimension le danger que peut représenter l’homme dans la civilisation. Lorsque le message n’est pas placardé comme souvent dans les productions récentes, mais un peu plus subtil dans son traitement, il est, à mon sens, bien plus efficace.

Pourtant, le film est très décevant. Je n’ai pas lu le matériau dont il est tiré, mais il semble évident que trop de raccourcis ont été pris pour faire rentrer le scénario dans la bouteille en éliminant de nombreux sujets, qui ne sont que survolés et nous laisse sur notre faim. Tout d’abord, la capacité de l’humanité à voyager sur 3 générations pour peupler ce nouveau monde est à peine évoquée, et si Viola (Daisy Ridley) explique succintement que son vaisseau mère, est le plus grand jamais conçue, on n’en sait pas plus, alors qu’il est censé transporter la seconde vague de colons. Ensuite, la pire frustration que j’ai ressentie concerne les aliens. Ceux là même qui ont soit-disant massacré toutes les femmes. Aucun développement, même si Todd se retrouve à en combattre un, on a juste l’impression qu’il a été montré à l’écran pour valider le postulat de l’absence de femmes, mais j’aurai vraiment aimé en savoir bien plus. Le prêtre n’est presque pas développé, et sa réaction avec le chien semble hors de propos. C’est grossièrement fait, et scénaristiquement inconsistant.

Et beaucoup de sujets sont traités de cette façon, enfin effleurés de cette façon, alors qu’on a vraiment l’impression que la richesse du monde et de l’histoire permettait un développement bien plus intéressant, au lieu de ne garder que le pitch téléphoné qui sent la simplicité au bout de 10 mn de film. Alors oui, les effets visuels sont intéressants, les paysages et les lieux de tournages sont magnifiques, les scénes d’actions sont bien chorégraphiées, le casting est excellent mais le film est plat, sans réelle intensité, et je me suis très vite ennuyé. La seule chose que j’en retiens, c’est peut-être l’envie de découvrir un peu plus le monde en lisant la série « young adult », même si ce n’est pas mon genre favori, pour palier le ratage de cette production.

Le film se concentre bien plus sur le world building, que sur les personnages qui évoluent peu (à part peut-être Viola) et laisse entrevoir une suite dont je doute de sa mise en production, devant la déception et les critiques de ce premier opus. Le film ne mérite pas plus que la moyenne, malgré quelques éléments attrayants, mais nous laisse avec trop de confusion pour y rester accroché tout du long. 11/20.

]]> https://reviews.oliverkrauq.com/chaos-walking/feed/ 0 https://reviews.oliverkrauq.com/godzilla-vs-kong/ https://reviews.oliverkrauq.com/godzilla-vs-kong/#respond Wed, 31 Mar 2021 20:31:23 +0000 https://reviews.oliverkrauq.com/?p=3012 Lire plus]]> (2021). Alors que Godzilla n’est plus réapparu depuis sa victoire sur Ghidorah et que Kong est confiné sur son île, les deux titans alphas vont se retrouver dans une confrontation épique. Godzilla va sortir du fond des mers pour détruire un complex du groupe Apex en Floride, qui décide d’utiliser Kong pour éradiquer le lézard géant. Ils l’envoient dans la « Hollow Earth », sorte de zone proche du centre de la terre d’où les titans sont originaires, pour découvrir une source d’énergie qui permettrait de détruire Godzilla.

Quatrième film du Monsterverse, il est le plus réussit de la franchise qui j’espère ne va pas s’arrêter là. Le scénario n’est pas trop stupide, même si on peut trouver la théorie du « Hollow Earth » assez loufoque, mais se plaindre d’un manque de crédibilité à propos d’un lieu hypothétique quand on va voir un film avec un gorille géant et un lézard qui crache de l’énergie nucléaire… remettons les choses à leur place quand même ! L’histoire se découpe en deux intrigues parallèles dont les développements se rejoignent :  une équipe de scientifiques menée par Alexander Skarsgard, qui semble s’ennuyer ferme dans son rôle, dans le Hollow Earth (désolé, je l’ai vu en VO, je ne sais pas comment cela a été traduit) et une sorte de lanceur d’alerte et deux adolescents qui tentent de mettre à jour un complot de la firme Apex.

Un effort a été apporté cette fois à la profondeur de certains personnages, ce qui était franchement raté dans les autres productions. Alors que Kong est dans une sorte de cage holographique sur son île, il développe une amitié avec une jeune sourde qui lui apprend en secret le langage des signes. J’ai trouvé cette relation extrêmement bien installée, on retrouve l’émotion entre la bête et l’innocente, un peu comme avec Jessica Lange dans la version de King Kong de 1976. Les autres personnages sont suffisamment crédibles, même si parfois un peu caricaturaux, comme le complotiste Bernie Hayes (Brian Tyree Henry) qui n’est là que pour le rôle du bouffon. Millie Bobby Brown, que les fans de Stranger Thing connaissent bien, tire aussi son épingle du jeu.

Même si l’histoire se tient, même si les acteurs font leur boulot, l’intérêt du film réside principalement dans les deux monstres. Les CGI sont juste incroyables, les scènes d’actions sont époustouflantes. Kong est bien plus présent à l’écran que Godzilla, et le rendu de sa fourrure, de ses expressions, les ombres à chacune de ses scènes, tout comme les décors du « Hollow Earth », complètement généré en image de synthèse, sont juste un ravissement pour les yeux. Les autres monstres sont de qualité inégale et je ne peux pas vous en dire plus sans spoiler une partie du scénario. La ville de Hong Kong est aussi impressionnante. Beaucoup de néons et de couleurs saturées qui rappellent les films des années 80, un petit côté Tron ou Blade Runner. On remarquera que la ville est détruite pendant la dernière partie et les affrontements, et bien que des millions d’habitants ont dû mourir, on ne voit pas une victime !

La musique enfin, accompagne parfaitement l’action, puisque le film ne nous laisse pas une minute de répit. Godzilla vs. Kong délivre exactement la promesse de la bande annonce : une production qui en met plein les yeux, pleins les oreilles et qui fait du bien. Seul regret, ne pas l’avoir vu en salle… même bien installé dans son canapé, sur un écran décent, et dans un environnement adéquat, ce spectacle méritait quand même une salle obscure. En résumé, si vous êtes en manque de blockbusters qui cassent la baraque, n’hésitez pas, Godzilla vs. Kong est fait pour vous. Et si ce n’est pas trop votre genre, jetez-y quand même un œil pour les effets spéciaux. Mon avis : 16/20.

Ok, le plot est simpliste. J’ai immédiatement pensé à Groundhog Day ou Happy Deathday plus récemment. Mais le trailer survolté m’a décidé et… j’ai bien fait. Boss Level est le genre de film qui vous attrape et ne vous lâche plus. J’ai même attendu la fin du générique après la dernière image, en espérant une scène post-credit. Dès les premières secondes, je savais que cette production serait un peu différente et ceci s’est confirmé à mesure que le scénario très intelligent déroulait. C’est l’histoire de Roy (Frank Grillo, 55 ans avec un physique détonnant) qui se réveille chaque matin alors qu’un tueur à gages tente de l’embrocher avec un coupe coupe, puis un hélicoptere apparait avec un mitrailleur qui arrose tout son appartement.

Il nous parle en voix-off, expliquant chaque point de sa nouvelle vie, où il meurt chaque fois, à cause d’un groupe de tueur à gages à ses trousses. Il se réveille à nouveau et le même scénario recommence, il essaie juste de vivre un peu plus longtemps le lendemain, sans comprendre pourquoi sa vie est devenue cet enfer. Mais là où le scénario est vraiment bien ficelé, c’est que nous découvrons en même temps que lui pourquoi il est dans cette situation, avec des indices chaque fois surprenants qui lui permettent de comprendre petit à petit ce qu’il doit faire. Frank Grillo habite le rôle (il a d’ailleurs produit le film aussi) et on sent bien qu’il a été taillé à sa mesure. Il semble s’amuser comme un fou dans le rôle de Roy et cela s’en ressent à l’écran.

L’humour noir est omni présente et j’avoue avoir éclaté de rire quelque fois tellement ce film possède un ton différent. Il m’a fait pensé à Crank par moment. Ce ne sont pas des gags téléphonés mais des situations dues à sa boucle temporelle qui provoquent des scènes cocasses, survoltées par sa voix-off qui commentent en permanence ce qui se passe. Mais ne vous y trompez pas, l’histoire n’est pas négligée, et le scénario est vraiment bien amené pour faire avancer l’intrigue, principalement grâce à son fils et à ses flashback avec son ex-femme, la journée précédant celle dans laquelle il est bloqué. Roy ne cherche pas à s’améliorer comme Bill Murray, mais fonctionne plus sous l’angle du jeu vidéo oú chaque mort le raméne au début et il essaie de passer le niveau suivant. D’ailleurs, on suit les tentatives qui s’inscrivent de temps en temps à l’écran après ses morts.

Pour reprendre la métaphore des jeux vidéos et même si les autres personnages ressemblent plus à des PNJ (personnages non joueurs) lorsque lui est le joueur, la distribution est de qualité. Même si Frank Grillo mange presque toute la présence à l’écran, ne laissant que peu de place aux autres. Son ex-femme est interprétée par l’excellente Naomi Watts qui devient de plus en plus belle en prenant de l’âge, le « boss » est incarné par Mel Gibson qui nous délivre ici une prestation digne des plus grands mégalos contre qui James Bond se bat dans les productions avec Sean Connery et Roger Moore. On dirait même que Mel Gibson caricature en exagérant… Mel Gibson. Son bras droit, assassin bien sûr, est aussi caricatural quand dans les 007. Et enfin, un passage avec Michelle Yeoh, experte en combat d’épée, présentée dès le début en cette qualité. Sans grande surprise, elle entrainera Roy plus tard pour passer la chinoise tueuse qu’il n’arrive pas à éliminer, peut importe les armes qu’il emploie. (ce passage m’a aussi bien amusé). D’ailleurs chaque fois qu’elle le tue, elle récite la même phrase : “I am Guan Yin, and Guan Yin has done this.” Effet garanti !

La réalisation de Joe Carnahan est musclée, et on retrouve sa patte comme dans The Grey ou The A-Team (que je considère comme une des meilleures adaptations cinéma d’une série des années 80 – L’Agence tous risques).  Le montage est vraiment survolté, sous stéroïde, et les plans s’enchainent en éliminant le superflu lorsqu’il recommence une journée. Les scènes d’action sont calibrées à la John Wick. On ne voit pas deux personnes qui se donnent 8 coups de poing sans être KO, ici, c’est balle dans la tête ou tête coupée, et on n’en parle plus. Mais Carnahan, même s’il excelle dans l’action, délivre aussi quelques séquences émotionnelles et touchantes qui s’intègrent parfaitement à son storytelling. La dimension science-fiction du film ne sert que de prétexte à cette pépite, et le pied de nez de la dernière scène en est la meilleure preuve (je le hais du coup !!!).

En résumé, j’ai A-DO-RÉ Boss Level, c’est du fun puissance mille, j’ai vraiment pris un kiff à visionner ce film, peut-être parce que je m’attendais à un autre nanar sur les boucles temporelles. Non, c’est vraiment une production à part, à découvrir et qui ne laissera pas indifférent. En tout cas, c’est l’effet qu’il m’a fait. Cela faisait une éternité qu’un film ne m’avait pas emballé comme ça. Évidemment, je le recommande chaudement. 18/20 (si si !)

Comme d’habitude, il est rare de trouver un film d’épouvante efficace et lorsque j’en découvre un, je me dois de vous le partager. Et Come Play entre dans cette catégorie avec les honneurs. Première réalisation de Jacob Chase, qui est également l’auteur du script basé sur son court métrage de 2017, il nous délivre ici une œuvre particulière en imposant son style personnel, autant sur le storytelling que sur la réalisation. Tout d’abord, il a fait le choix de ne pas user de scare jumps mais d’imposer une ambiance, une atmosphère, qui réussit à nous faire frisonner. Ensuite, il réussit l’exploit d’avoir des personnages crédibles, qui réagissent face aux événements de façon « normale ». Exit le débile qui entend des bruits à la cave et va voir, sans allumer la lumière bien sûr : là, lorsqu’une situation flippante se présente, les personnages font ce que nous ferions tous, ils fuient. C’est bête, mais ça fait du bien de voir enfin des réactions logiques.

D’ailleurs, la profondeur des personnages, même secondaires est remarquable. Oliver, joué par le jeune Azhy Robertson est impressionnant dans son interprétation d’un jeune autiste, avec ses faux airs de Danny dans The Shining (certainement la coupe de cheveux). Ses parents, qui feront tout pour le protéger de Larry, la créature maléfique (l’est-elle au final ?) sont touchants et on explore leur psychologie et leur relation sans jamais que cela nuise au film, au contraire. Jacob Chase réussit même à pousser l’émotion à son maximum avec la toute dernière scène qui pourrait arracher une larme aux plus sensibles. Et pourtant, nous sommes bien dans une film d’horreur !

Larry, le monstre qui cherche cruellement un ami et jette son dévolu sur Oliver, se manifeste au travers des écrans en affichant une sorte de conte, où chaque page lue le rapproche un peu plus de notre monde. On ne peut s’empêcher de voir une métaphore avec les dangers d’isolements provoqués par l’addiction aux écrans, même si dans le cas d’Oliver, ils lui sont nécessaires pour communiquer avec son entourage. Tant que Larry n’a pas la capacité de se matérialiser dans notre univers pour emmener le garçon dans le sien, il n’est visible que par la réalité augmentée au travers des caméras de la tablette ou du téléphone. Le design de Larry est vraiment réussi, tout comme les bruits qu’il fait lors de ses apparitions. Les effets spéciaux sont d’une redoutable efficacité.

En conclusion, Come Play est une surprise horrifique comme j’aimerai en faire bien plus souvent, une petite perle noyée dans un océan de films d’horreur convenus et sans grande invention. Le film rend hommage au cinéma des années 80, comme le traduit la bande annonce et pourrait presque être assimilé à une fable moderne sur les dangers des nouvelles technologies et le monstre de solitude qu’ils peuvent engendrer, représenté ici par Larry ! Bien sûr, le thème des entités maléfiques qui se dévoilent aux travers de gadgets électroniques ou d’écrans n’est pas nouveau, mais le traitement qui en est fait classe ce film dans la case « à voir absolument » : 16/20.

Si vous cherchez un film qui vous fait vous poser des questions, où vous espérez des personnages développés ou un scénario riche en rebondissement, passez votre chemin. Monster Hunter est à l’opposé de cela. Cette production n’a qu’un seul et unique but, vous en mettre plein les yeux et plein les oreilles. Et lorsqu’on a vu le trailer, c’est exactement ce à quoi on s’attend ! Qu’espérer d’un film tiré d’un jeu vidéo où il faut tuer des monstres de plus en plus forts, avec de l’action permanente, si ce n’est la même chose sur l’écran. Et c’est vraiment excellemment réalisé.

On y retrouve les monstres gigantesques et presque invincibles, évidemment, mais aussi les armes démesurées qui ont chacune une technique « magique » pour augmenter leur puissance, quelques punchlines bien téléphonées qui cadrent pourtant parfaitement, et des personnages qui encaissent tellement de coups qu’on en est à se demander s’ils ne sont pas invulnérables aussi. On se croirait vraiment dans un jeu vidéo.

Le réalisateur Paul W. S. Anderson, mari de Milla Jovovich, a été décrié pour sa saga Resident Evil, bien que le box-office et la rentabilité de chacun de ses films ne sont plus à prouver. Il signe ici un nouvel « action movie » qui nécessite de s’assoir avec un bon seau de pop-corn et se laisser prendre par les images. La bande son et les CGI des monstres (qui sont vraiment impressionnants de réalisme) font le film a eux seuls, pas besoin de vrai scénario, ni quoique ce soit d’autre, on est nourri à l’action presque non stop et à l’adrénaline. Reprenez votre souffle lors des quelques scènes de discussions, bien que la plupart ne se traduisent que par des « arghhhh » ou des « my God ».

Le tandem Jovovich / Jaa fonctionne à merveille et l’apport de Ron Pearlman, bien que sa présence à l’écran reste trop rare et qu’il semble ici pris la main dans le sac d’un plaisir coupable, fait l’effet d’une cerise sur le gâteau. Ce n’est pas un grand film, mais c’est un bon film qui délivre pile poil ce qu’il promet. Et j’ai adoré, possiblement en manque de gros blockbusters bien baveux depuis la fermeture des cinémas. Je vous le recommande si vous souhaitez passer un bon moment qui ravira vos yeux et vos oreilles en mettant votre cerveau en pause. 16/20 (parce qu’en plus j’adore Milla ^^).

Je ne spoile pas en parlant de la créature maléfique. Le film s’ouvre sur une séquence de dessin animé dans le plus pur style des années 40 en signalant des gremlins et la bande annonce dévoile ce monstre. Cette production que l’on pourrait qualifier de série B n’est pas bonne. On sent pourtant que Chloë Grace Moretz a mis tout son cœur pour tenir le film à bout de bras, et elle a vraiment du talent pour se démarquer dans ce scénario à l’écriture si pauvre et aux incohérences flagrantes, mais cela ne suffit hélas pas. Je dois dire qu’elle est le seul intérêt du film, pour son excellente interprétation.

La créature : je n’ai rien à redire sur son design, une sorte de chauve souris géante dont les aptitudes ne sont pas sans rappeler celle de l’épisode de Twilight Zone « Cauchemars à 30 000 pieds » lorsqu’une bestiole similaire arrache des morceaux de l’aile d’un avion et que seul un passager la voit. Mais là, sa motivation reste floue, pourquoi fait-elle cela ? une explication aurait pu rendre ses actions un peu plus claires, surtout lors de la dernière scène. L’autre point du scénario concerne le « colis » que Chloë Moretz transporte, et ce qu’il contient. Il éveille un intérêt tant que nous ne savons pas ce qu’il y a à l’intérieur, ensuite, cela devient un peu… débile.

J’ai assez apprécié la première partie, lorsqu’elle est dans la tourelle et qu’elle communique avec tous les membres de l’équipage, aussi infectes les uns que les autres. Le film dénonce comment les hommes considéraient les femmes à cette époque (on peut imaginer que le message se veut d’actualité), ne lui donnant aucun crédit lorsqu’elle dit être pilote (ceci dit, il n’y avait pas de pilotes de bombardier femme pendant la WW2), lorsqu’elle signale pourquoi il y a des problèmes de dysfonctionnement de l’appareil à cause du gremlin etc… mais cela devient un peu gros lorsqu’à elle seule elle sauve la situation, contre les japonais, contre la créature qu’elle expulse, et en faisant atterrir l’avion. Et pour clore le tout, son combat final contre la créature qui est hélas vraiment ridicule. Le générique de fin enfonce le clou, pour ceux qui n’auraient pas compris ce que la réalisatrice Roseanne Liang voulait transmettre comme message : c’est très maladroit et contre productif, comme souvent.

Par contre, la séquence où elle récupère son « colis » accroché à l’aile et qui risque de chuter est vraiment bien réalisée, même si elle est complètement surréaliste et impossible. Et un bon point pour la musique très Carpenter ! Pour conclure, j’aurai vraiment voulu aimer ce film pop-corn, étant un grand fan de Chloë Grace Moretz mais ma fan attitude a des limites et Shadow in the Cloud marque cette frontière. Il est court, je ne me suis pas ennuyé, mais à ne visionner que si vous n’avez vraiment rien d’autre à voir. 10/20 (pour l’effort d’interprétation et la scène d’action).

Et c’est tout. 10 mn de film et c’est bon, j’aurai dû arrêter là, le trailer et l’opening sequence. Pour poursuivre cet article, je vais être obliger de spoiler pas mal de l’histoire et détailler quelques scènes, donc si vous ne voulez pas en savoir plus, fermez la page !

/!\ ATTENTION SPOILERS /!\ ATTENTION SPOILERS /!\

Vous êtes toujours là ?

OK.

Pour commencer, le scénario : comment les studios ont pu valider un script aussi creux ? depuis le trailer, nous savions que Steve Trevor allait revenir à la vie, j’étais curieux de connaître la méthode qu’il allait employer. La curiosité est un vilain défaut. Un pierre à souhait, voilà. L’originalité me dépasse. Et le méchant du film a fait le souhait d’un gamin de huit ans à qui on propose cela, « Je veux des souhaits illimités » ! Vraiment ? Mais avec chacun de ces souhaits, on perd quelque chose. Wonder Woman perd de son pouvoir, Barbara perd de sa gentilesse (vraisemblablement) et le méchant perd sa santé. Sur ce point, il faudra attendre presque la fin pour qu’il décide dans un moment de génie, de regagner de la santé en contrepartie des souhaits qu’il exauce… bien sûr, il n’y avait pas pensé avant… Pour être honnête, je m’attendais à voir Will Smith apparaître avec une bonne réplique du genre : « on vous a bien eu, en fait, vous regardez Aladdin 2 » !

Mais si ce n’était que là où le scénario péchait… mais non. Le film dure 2h30 et 90% de celui-ci ressemble à une comédie romantique des années 80, au point où je me suis demandé s’il n’aurait pas fallu engager Meg Ryan. Le nombre de scènes qui se veulent amusantes et qui tombent à plat pullulent à l’écran, et quelque fois d’une façon si ridicule. Je vais passer sur la séquence à la Pretty Woman où Steve essaie plein de tenues alors que Diana lui donne son avis, tout comme l’exagération maladroite de ce qu’étaient les années 80. Que ce soit la première scène dans le mall (d’ailleurs, cette première scène d’action est vraiment ratée) ou les punks croisés dans le métro, les dancers de breakdance, bref, tout est exagéré et Patty Jenkins a clairement confondu filmer les années 80 et filmer « comme » dans les années 80.

D’ailleurs, cela crée des stupidités scénaristiques navrantes. Par exemple, Steve Trevor se retrouve ébahi devant un escalator et est très emprunté sur la façon de l’utiliser. Pour rappel, il meurt lors de la grande guerre dans le premier WW, or, les escaliers mécaniques ont été inventé e 1898 et dès 1910 installés dans les entreprises, les grandes surfaces et les stations de métro (source wikipedia). Tout ça pour créer une séquence qui se veut amusante, on fait n’importe quoi. Par contre, il est capable de piloter un jet (qui fait Washington – Le Caire en direct ! HAHA), conduire une voiture à boite mécanique, utiliser un lance roquette etc… mais un escalator… non ! Et tout le film est une exagération qui sent tellement le fake… comme la scène finale sous la neige : c’était simplement une scène de 5 mn d’un téléfilm de Noël (en moins bien en plus).

Allez une dernière pour la bonne bouche dans les crétineries scénaristiques : « Il faut se dépêcher, on a le monde à sauver ! Oh, c’est quoi là-bas ? un feux d’artifice, on est le 4 juillet ». Et là, avec un sourire de connivence, Steve décide de faire un petit détour, (le monde peut attendre finalement) pour faire un petit passage en avion dans les feux d’artifice parce que c’est tellement romantique. Oh, et j’oubliais, l’avion est invisible, car Diana qui avait une fois, avec peine, réussi à faire devenir une tasse à café invisible en la touchant, après concentration, est d’un coup capable de faire disparaître le jet, parce que « il le fallait » ! what ?? seriously ? Oui, c’est l’explication qu’on nous donne, mais à ce moment du film on n’est déjà plus à ça près. D’ailleurs, on entre sur un aéroport privé avec plein de jets stationnés aussi facilement que dans la maison blanche en 1984 apparemment ! Mais bon, c’est un détail de plus, faut pas chercher…

Venons-en aux personnages. Là encore, c’est complètement à côté. Il n’y a aucune émotion, on ne ressent aucune empathie, ils pourraient bien mourir qu’on s’en foutrait (mais ouf, AUCUN ne meurt !). Prenons par exemple la scène des retrouvailles entre Diana et Steve : alors qu’elle est censée être émouvante, puisque c’est quand même un des points forts du film, avec un Chris Pine qui n’est plus Chris Pine, mais qui ressemble quand même à Chris Pine sans être lui (vous verrez ^^), la scène est juste à vomir. Au sens littéral, puisque Patty Jenkins a décidé de faire un plan séquence où la caméra tourne autour des deux acteurs, assez rapidement (c’est là qu’il y a l’explication de Chris Pine), et si vous êtes un peu susceptible au mal de mer, prévoyez un petit sac à vomi. Blague à part, la scène est complètement ratée, aucune émotion. Et lorsque Diana renonce à son souhait (la résurrection de Steve) pour regagner ses pouvoirs, même chose, l’émotion est complètement absente. S’en suit d’ailleurs une autre séquence où elle se met à voler comme Superman en écoutant le speech en voix-off de Steve qui lui explique ce que c’est de voler (dans le cas où le spectateur serait trop stupide pour faire le rapprochement). Je trouve, au passage, que la direction scénaristique de Wonder Woman ne correspond plus à celle du premier volet, ce qui est un vrai problème de cohérence. Je ne comprends pas que Gal Gadot ait accepté que son personnage soit à ce point modifié.

Barbara Minerva, incarné par Kriten Wiig – j’ai lu beaucoup de critiques comme quoi c’était le pire casting depuis Halle Berry en Catwoman (c’est exagéré) – est elle aussi salement caricaturée. D’abord, c’est une femme qui manque de confiance en elle, que personne ne semble remarquer et le génie du scénario à produit quoi pour décrire cela ? une femme maladroite qui fait tomber son attaché-case et que personne n’aide. Quelle originalité. Et surtout, son attitude se veut être drôle, mais c’est raté, et au lieu de nous arracher un sourire, je trouve que c’est très embarrassant. Bref… Son souhait est d’être aussi forte que Diana Prince. Du coup, un matin, elle ouvre son frigo, et ne sentant pas ses nouveaux pouvoirs arrache la porte. La suite : une scène crétine où elle se rend à sa salle de gym et soulève de grosses altères. Si si, je vous jure… Et lorsqu’elle rencontre un homme bourré qui l’avait agressé 3 semaines plus tôt, elle se venge (on remarquera d’ailleurs que le gars, bien que complètement bourré les 2 fois, se rappelle aussi d’elle). Et si vous espérez voir Cheetah, ne vous emballez pas, le combat entre elle et WW ne dure pas plus que dans le second trailer.

Tiens d’ailleurs, les scènes d’actions : que dire. Elles sont courtes, peu présentes et les CGI sont affreux. Lorsqu’elle sauve les enfants égyptiens qui jouent au foot sur la route (déjà rien que ça, le rendu n’est pas crédible…) les images sont laides. Et comme pour tout le reste, tout est survolé. Son armure de chevalier du zodiaque, elle n’est que pour se défendre et lorsque Cheetah finit de la détruire, elle se suspend 30 secondes avec son lasso, électrocution et fini (tout ça pour ça ?). D’ailleurs le lasso n’est plus le lasso de la vérité, il devient une sorte de liane qui permet tout simplement de voler, on croirait voir Spiderman à plusieurs reprises. Je ne vais pas m’étendre sur l’action, car elle est pratiquement inexistante.

Je vais m’arrêter là, je pourrais faire des paragraphes et des paragraphes de ce qui ne va pas dans le film, puisqu’en fait, rien ne va. 2h30 de facepalm en facepalm. Je suis atterré de voir un si gros ratage, et du gâchis qui a été fait avec le personnage. La note globale sur IMDB a chuté de 7.6 à 6.3 en moins de 24h et lorsque je lis les milliers de commentaires, je constate que je ne suis pas le seul à m’être senti pris pour un imbécile devant cette production. En conclusion, je n’ai pas aimé… du tout, et je ne recommande pas le film, si ce n’est les 10 premières minutes et le trailer ci-dessous. 4/20.

Ah j’oubliais la scène post générique… que dire si ce n’est qu’elle m’a arraché un sourire… triste